«искусство тропической африки из коллекции м. л. и л.м. звягиных». выставка в гмии. Из Африки в Европу: неудавшийся первый исход «Фрукты и бронза»

АФРИКАНСКИЕ ДЕВИЦЫ ПИКАССО

Я понял, для чего негры использовали свои скульптуры… Они были оружием. Чтобы помочь людям не попасть вновь под влияние духов.

П. Пикассо

Бронзовая голова – яркий пример высочайшего мастерства древних бенинских мастеров

Мало кто знает, что именно скульптура открыла Африку западному культурному миру и что именно африканская скульптура стала одним из родоначальников современного искусства. А ведь случилось это совсем недавно.

В коллекциях и музейных собраниях Европы скульптурные изображения из Тропической Африки начали появляться уже в XVIII в., но широким потоком шедевры из дерева и металла хлынули в Европу только в конце XIX в. В 1907 г. в Париже открывается большая выставка, посвящённая культуре народов Африки. Посетивший её молодой художник Пабло Пикассо настолько впечатлён увиденным, что за несколько дней создаёт шедевр, которому суждено совершить настоящую революцию в европейском искусстве. Написанная им картина «Авиньонские девицы», где лица женщин стилизованы под африканские маски, становится первым произведением кубизма, с которого рождается новый этап развития, восприятия и понимания искусства – то, что мы называем современным искусством.

Мода на африканскую скульптуру захлёстывает Европу несмотря на то, что ещё за несколько десятилетий до Пикассо западные путешественники и миссионеры называли её не иначе как «примитивной» и «уродливой». Конечно, у каждого свой взгляд и мнения в отношении искусства и его течений, но ни тем ни другим африканская скульптура не является, однако по меркам европейского искусства она действительно обладает рядом особенностей, резко контрастирующих с нашими привычными и «классическими» представлениями о скульптурных изображениях.

Прежде всего африканской скульптуре чужда реалистичность. Изображения человека или животного вовсе не обязаны передавать верные пропорции, напротив, художник выделяет те черты, которые ему кажутся максимально важными, не слишком обращая внимание на схожесть изображения и натуры. Реализм, зародившийся в Древнем Египте и в течение двух с половиной тысячелетий царивший в Европе, в Тропической Африке оказался невостребованным в нашей современности. Например, в африканской скульптуре соотношение головы и тела – 1 к 3 или 1 к 2, в то время как реальные пропорции человеческого тела – 1 к 5, а в древнегреческой пластике – даже 1 к 6. Это было связано с тем, что голова, по африканским поверьям, вмещает божественную силу и энергию человека. Именно огромные головы африканских скульптур вызывали отторжение у европейских эстетов прошлого, а сегодня являются повсеместным приёмом и изобразительного искусства, и графической иллюстрации по всему миру. Вместо реализма африканской скульптуре присущ богатый символизм.

Ещё первые исследователи, и в их числе пионер изучения африканского искусства русский учёный Владимир Матвей, отмечали многообразие и огромное значение пластических символов, применявшихся в изображении различных реалий, – например, ракушка или щель вместо глаза. Этот символизм проистекает из того простого факта, что искусство для африканца несёт не декоративную, как в нашей культуре, а богатую социальную, религиозную, духовную нагрузку. Скульптура – часть веры, а не просто украшение интерьера. Следовательно, она должна нести в себе определённую информацию для верующего, защищать его или призывать. В то же время западного ценителя всегда поражала точность некоторых деталей скульптуры – так несовместимая, казалось бы, с общим пренебрежением к реалиям. Однако эти детали – например, причёска, шрамы на лице и теле, украшения – важны африканцу не сами по себе, а лишь как индикаторы, символы социального или этнического статуса. Зритель должен чётко знать, кого именно изображает эта скульптура, а длина рук или ног (или даже их наличие) вовсе не играет ключевой роли.

Африканская скульптура напрочь лишена эмоциональной насыщенности, привычной нам по европейскому искусству ещё со времён греков и этрусков. Выражения лиц предков, божеств, священных животных, людей абсолютно нейтральны, позы скульптурных композиций статичны. Эмоциональное выражение, столь важный элемент повседневного быта любого африканца, практически полностью отсутствует, что не могло не удивлять первых экспертов, изучавших африканское искусство.

Деревянные скульптуры великих предков – традиция, живущая по сей день в деревнях консо, Эфиопия

Бронзовая плита из дворца в Бенине

Африканскую скульптуру характеризует и крайняя степень консерватизма. Путь Европы от Фидия до Родена длиною в две с половиной тысячи лет кажется нам калейдоскопической сменой художественных стилей. Бронзовые головы археологической культуры Нок, изваянные за несколько столетий до новой эры, выглядят близнецами сегодняшних статуй и масок Западной Африки, как будто бы их изготовил на прошлой неделе мастер-догон из Бандиагары. Тайна этой тысячелетней преемственности продолжает изумлять исследователей всего мира.

Первые образцы ювелирного терракотового наследия культуры Нок были обнаружены в 1932 г.: крестьяне на плоскогорье Джос, находя в своих огородах глиняные статуэтки, обычно не мучали себя вопросами об их происхождении, а приспосабливали их под чучела для отпугивания птиц. Самые ранние из найденных статуэток изваяны примерно в V в. до н. э., последние – 800 лет спустя. Однако и после загадочного падения культуры Нок традиция скульптурных изображений не пропадала – она чудесным образом возродилась в X в. в культуре бронзовых скульптур народа йоруба в городе Иле-Ифе (Юго-Западная Нигерия). И хотя Иле-Ифе пришёл в упадок в XIV в., его скульптура практически в неизменном виде сохранилась в искусстве Бенина, государства уже Нового времени. Бронзовые головы, фигурки животных, регалии королевского достоинства, сделанные из слоновой кости, бронзы и латуни, представляют собой настоящие шедевры мирового искусства, сокровища музеев Европы и Америки. Большинство скульптур имело религиозное значение и использовалось для погребального культа – как, вероятно, и фигуры культуры Нок. Но бенинский оба уже знал толк не только в религиозной символике, но и в эстетике. Стены, пол и колонны в своём дворце он приказывал покрывать рельефными металлическими плитками с сотнями скульптурных изображений. Здесь видны хроники войн, охоты, приёма посольств, на некоторых угадываются даже португальские гости в широкополых фетровых шляпах, с любопытством осматривающие столицу Бенина.

В конце XIX в. искусство Бенина погибло вместе с государством, завоёванным англичанами. Но сегодняшние скульптуры, используемые в священных церемониях или продаваемые туристам в лавках и аэропортах по всей Западной Африке, несут в себе всё те же канонические черты, впервые изваянные из глины за 2500 лет до появления первых магазинов duty-free.

Помимо терракотовых и металлических изделий мастеров Нигерии, нам известно ещё несколько очагов древней скульптурной традиции в Западной Африке. Один из них – производство своеобразных латунных гирек, которое расцвело на территории современной Ганы с XVII по начало XX в. Первоначальная их цель весьма утилитарна – измерять вес золотого песка, однако гирьки стали служить и важными социальными аксессуарами (набравший полный набор мужчина считался состоятельным и уважаемым), и даже иллюстрациями к сказаниям и мифам. Фигурки, изображавшие животных, людей, божеств, различные предметы, хранят в себе истории из жизни, забавные анекдоты, правила поведения в обществе.

Падение цивилизации ашанти под ударами англичан в начале XX в. навсегда прервало эту традицию своеобразной «скульптурной литературы», аналогов которой в мире почти нет.

По сравнению со странами западной части континента Восточная и Южная Африка не сохранили такого богатого наследия, однако и здесь есть примеры богатой скульптурной традиции. Один из них – богатое творчество народа маконде в Мозамбике. Оно родилось не так уж давно – в XVIII в. – и было порождено высоким спросом европейских и индийских купцов на деревянные статуэтки с мифологическими и бытовыми сюжетами. Сегодня, в эпоху современной экономики, резчики маконде объединены в кооперативы, которые столь же успешно торгуют своими изделиями из эбенового дерева по всему Мозамбику.

ГИРЬКА С ИЗОБРАЖЕНИЕМ ПТИЦЫ-НОСОРОГА И ЗМЕИ РАССКАЗЫВАЕТ ПРИТЧУ О ПТИЦЕ, НЕ ТОРОПИВШЕЙСЯ ОТДАВАТЬ ДОЛГИ ЗМЕЕ. ОНА СЧИТАЛА, ЧТО В ЛЮБОЙ МОМЕНТ СМОЖЕТ УЛЕТЕТЬ ОТ ПОЛЗУЧЕГО КРЕДИТОРА. НО ЗМЕЯ НАБРАЛАСЬ ТЕРПЕНИЯ И, ДОЖДАВШИСЬ, ПОКА ПТИЦА-НОСОРОГ УТРАТИТ БДИТЕЛЬНОСТЬ, СХВАТИЛА ЕЁ ЗА ШЕЮ. ПРИТЧА ЗАВЕРШАЕТСЯ ПОСЛОВИЦЕЙ НАРОДА АКАН: «ХОТЯ ЗМЕЯ И НЕ ЛЕТАЕТ, ОНА ПОЙМАЛА НОСОРОГА, ЧЕЙ ДОМ В НЕБЕ», МОРАЛЬ КОТОРОЙ – ПРИЗЫВ К ТЕРПЕНИЮ И ОПТИМИЗМУ.

Ещё более древними являются знаменитые «птицы Зимбабве» – полуметровые каменные скульптуры из стеатита, установленные на колоннах по стенам Великого Зимбабве, о котором мы рассказывали ранее, в главе «История». Это изображение – по всей вероятности, орла-рыболова – красуется теперь на гербе Республики Зимбабве (вместе с автоматом Калашникова). Однако помимо неё, никаких скульптурных произведений на территории знаменитого древнего города найдено не было.

Один из примеров изысканной деревянной скульптуры маконде

Это, впрочем, вовсе не значит, что их не существовало. Недостаток наших знаний о скульптуре других районов Тропической Африки объясняется прежде всего непрочностью материала – традиционно скульптурные изображения здесь изготавливались из дерева и других органических материалов, которые во влажном тропическом климате быстро становятся жертвой гниения, червей и термитов. Однако о том, что скульптурное искусство существовало по всему континенту ещё задолго до появления первых европейцев, можно судить по богатому, до конца ещё не изведанному и оттого таинственному миру африканских масок.

Бурное развитие археологии, этнографии и искусствознания во второй половине XIX века, связанное с открытием первобытного искусства, проблемами колонизации и кризисом европейского искусства, создало благоприятные условия для более глубокого и серьезного отношения к художественному творчеству так называемых "примитивных" народов. В 1885 году немецкий историк Р. Андре высказывает предположение, что искусство народов, находящихся на относительно низкой ступени социально-экономического развития, может достичь высокого уровня. К тому же заключению приводят появляющиеся в это время теории, согласно которым художественная форма складывается под воздействием трех факторов - целесообразности, художественной техники и материала - и поэтому не находится в прямой зависимости от уровня социально-экономического развития. До этого считалось, что индустриальный и научный прогресс является непременным условием развития художественной культуры. Уровень художественного развития неевропейских цивилизаций оценивался по уровню их технической оснащенности.

Маркс еще в середине XIX века указал на неправомерность такого подхода: "Относительно искусства известно, что определенные периоды его расцвета отнюдь не находятся в соответствии с общим развитием общества, а следовательно, также и с развитием материальной базы последнего..." (Маркс К. Введение (из экономических рукописей 1857-1858 гг.). Соч., т. 12, с. 736 ).

На европейских выставках отдельные предметы африканского искусства стали появляться уже с конца XIX века. В 1879 году в Париже был основан первый этнографический музей - Трокадеро (Ныне - Музей Человека ), имевший специальную экспозицию "искусства и ремесла неевропейских народов". Тогда же в театре Шатле открылся временный Африканский музей, в экспозиции которого, в частности, находилась статуэтка, названная "Черная Венера". Африканские художественные изделия были представлены также на выставках в Лейпциге - 1892 год, в Антверпене - 1894 год, Брюсселе - 1897 год. В 1903 году в дрезденском Цвингере был открыт отдел деревянной скульптуры, в том числе африканской.

Обращение к изучению первобытного и традиционного (или, как его называли, "примитивного") искусства, стимулировавшееся сенсационными открытиями в Западной Европе, Центральной Америке, Океании, создало новую отрасль науки на стыке этнографии, археологии и искусствоведения. Работы историков и этнологов способствовали раскрытию смысла и значения художественной деятельности в первобытном и традиционном обществе, привлекали внимание к памятникам искусства неевропейских народов. Но непосредственное восприятие этого искусства широкой публикой по-прежнему оставалось на уровне эпохи "кабинетов курьезов" до той поры, пока в его освоение не включилась художественная практика.

Было бы неверно думать, что африканское искусство как-то неприметно вошло в художественную жизнь Европы; было бы также неправильно считать его открытие неким откровением, внезапно осенившим нескольких художников.

Генезис художественных течений, зарождающихся в этот период, дает представление о том, когда и каким образом африканские элементы появляются в европейском искусстве, как они адаптируются художественной практикой и получают дальнейшее развитие в мировом искусстве (См.: Мириманов В. Б. Встречи цивилизаций. - В кн.: Африка: встречи цивилизаций. М., 1970, с. 382-416; Мириманов В.Б. "L"art nègre" и современный художественный процесс. - В кн.: Взаимосвязи африканских литератур и литератур мира, М., 1975, с. 48-75.; Laude J. La peinture francais (1905-1914) et "l"art nègre". Paris, 1968 ).

Всесторонне рассматривая и оценивая течения 10-20-х годов, мы должны признать, что они сыграли значительную роль в деле открытия и признания африканского искусства.

До 1907-1910 годов положение африканского искусства в Европе практически не отличалось от того, каким оно было в XV веке, в эпоху "кабинетов курьезов". С 1907 -1910 годов африканская скульптура привлекла внимание французских художников-авангардистов, в европейском искусстве и литературе появляются новые течения (в первую очередь кубизм), практика и теория которых формируются в процессе этого открытия. С этого времени африканская скульптура начинает интересовать европейских коллекционеров, экспонируется на многочисленных выставках и, наконец, становится объектом специальных исследований. В XIX веке единственным "настоящим искусством" считалось только искусство развитых цивилизаций Запада и Востока. С конца 10-х годов XX века "примитивное" искусство быстро завоевывает симпатии не только художников и коллекционеров, но и широкой публики.

В 20-30-х годах увлечение Африкой достигло небывалых размеров. "Негритянский кризис" отразился во всех сферах европейской культурной жизни. В это время ювелиры имитируют африканские украшения, джаз становится господствующим направлением в музыке, обложки книг и журналов украшаются изображениями африканских масок. Пробуждается интерес к африканскому фольклору.

Необходимо заметить, что экзотизм не был изжит полностью даже в позднейшее время, в 10-х же годах поверхностное восприятие африканского искусства еще нередко бытует даже среди его первооткрывателей-художников. Если во Франции в эпоху рождения кубизма в среде художников-авангардистов экзотизм уступает место трезвому, аналитическому подходу, то у немецких художников еще долго сохраняется романтическое восприятие африканской скульптуры, увлечение ее "эмоционально-мистическим содержанием". В 1913-1914 годах, когда, по свидетельству Д.-А. Канвейлера, Пикассо, вдохновленный африканской скульптурой, создает пространственные конструкции, воплощающие принципиально новый подход к решению пластических задач, немецкие художники еще остаются на уровне простой имитации.

В 1912 году в Мюнхене издается под руководством В. Кандинского и Ф. Марка альманах "Голубой всадник", в котором воспроизводится большое количество африканской и океанийской скульптуры, играющей в данном случае ту же чисто декоративную роль, что и африканские маски в домах парижских интеллектуалов. (Характерным для этого времени примером "негро-фильства" можно считать своеобразные манифестации группы писателей и живописцев, собиравшихся в Цюрихе, в кабаре "Вольтер", и эпатировавших публику фантастическими "тамтамами" и мнимыми "негритянскими" песнями.) Вместе с тем первая выставка под названием "Негритянское искусство" была открыта именно в Германии, в Хагене, в 1912 году.

В 1914 году открывается выставка негритянского искусства в Нью-Йорке (галерея А. Штиглица). В 1917 году выставка в галерее П. Гийома знаменует официальный выход африканской традиционной скульптуры на парижский художественный рынок. Следующая парижская выставка (1919 г., галерея Девамбез) привлекает небывалое число посетителей. В 1921 году африканская скульптура экспонируется на XIII Международной художественной выставке в Венеции. В том же году выставка африканской скульптуры открывается в США, в Бруклинском художественном музее, а год спустя - в галерее Бруммера в Нью-Йорке.

До 1914 года существовало всего лишь несколько коллекционеров - собирателей африканской скульптуры. Наиболее известные из них - П. Гийом, Ф. Фенеон, Ф. Хавиланд, С. Щукин. С 1920 года во Франции, Бельгии, Германии, США создаются новые коллекции.

Триумфу африканского искусства помимо скульптуры способствует внедрение в европейскую жизнь африканской и афро-американской хореографической и музыкальной культуры. Уже знаменитая постановка 29 мая 1913 года в Париже балета И. Стравинского "Весна священная" обнаружила тенденцию к обновлению на основе фольклора. Следующим шагом в этом направлении был "Парад" Ж. Кокто с музыкой Э. Сати и декорациями П. Пикассо в исполнении дягилевского балета (Париж, 1917). Этими постановками был подготовлен шумный успех балета "Сотворение мира", с которым 23 октября 1923 года выступила в Париже шведская труппа Ральфа Маре (М. Лейрис считает, что постановка этого балета - "важная дата в истории распространения африканского искусства: большое парижское суаре прошло под знаком африканской мифологии, точно так же как 29 мая 1913 года... под знаком языческих ритуалов Европы в интерпретации русского балета Сергея Дягилева" (Leiris M.. Delange J. Afrique Noire. La création plastique. Paris, 1967, p. 29) ).

В том же 1923 году в Европе появляется первый афро-американский мюзик-холл. В 1925 году успех афро-американской эстрады закрепляет знаменитая Жозефина Беккер, выступающая в "негритянском ревю" в театре на Елисейских полях. Там же с шумным успехом проходят выступления "Южного синкопического оркестра" В. Вельмона, познакомившие европейскую публику с народными негритянскими песнями, спиричуэлсами, афро-американской джазовой и симфонической музыкой.

Увлечение африканской художественной культурой распространяется и на литературу. Все больший интерес в 20-х годах вызывает устная литература Тропической Африки. После "Черного Декамерона" Л. Фробениуса выходят сборник африканских сказок с репродукциями африканской скульптуры, составленный В. Гаузенштейном (Цюрих - Мюнхен, 1920), "Негритянская антология" Б. Сендрара (Париж, 1921), "Краткая антология" М. Делафосса (Париж, 1922).

Так начинает налаживаться двусторонняя связь между африканскими культурами и европейской цивилизацией, столь различными по уровню развития, что долгое время диалог между ними казался невозможным.

ТАТЬЯНА СДВИЖКОВА

Обзор

Несмотря на то, что эпоха географических открытий была в XV-XVI веках, к XIX-му веку практически никто в Европе не представлял, что такое африканское искусство. И только в конце XIX – начале XX века художники открыли для себя Африку и Японию. Про Японию и импрессионистов известно много, поэтому сегодня я хочу рассказать про Африку, которая часто остается в тени. К началу XX века художники устали от классики и начали искать какого-то отдыха. Для многих источником вдохновения стало как раз примитивное искусство. Давайте посмотрим, как Африка из чего-то странного и экзотического превратилась для художников в то, без чего сложно представить искусство.

«Фрукты и бронза»

Наш первый герой – Анри Матисс. В 1906 году он впервые поехал в Африку, чтобы, как он сам говорил, «увидеть своими глазами пустыню». Конечно, художник был восхищён. Освежить воспоминания помогла выставка африканской скульптуры, проходившая в Париже в 1910 году. Собственно, африканскую скульптуру мы и видим на этом натюрморте. Но корректно ли вообще называть эту картину натюрмортом? Ведь натюрморт в переводе с французского – «мёртвая природа». Картина «Бутылка схидама » больше похожа на классический натюрморт, правда? Чем отличаются эти две работы?

Анри Матисс, «Фрукты и бронза» (1909-1910).

Анри Матисс, «Бутылка схидама» (1896).

Что меняется:

• Художник всё предельно упрощает;
• Цвета становятся ярче;
• Появляются африканские мотивы;
• Композиция картины становится более ритмичной благодаря ткани;
• Исчезает трёхмерность;
• Художник отказывается от теней;
• Отсутствует перспектива;
• Изображение становится похоже на орнамент;
• Появляется ощущение «беседы» между предметами.

Получается, что картина «Фрукты и бронза» не очень похожа на натюрморт в его классическом понимании: нет строгости и реалистичности.

Матисс по-прежнему ищет новых средств изображения. И в этом он не одинок.

На работы какого художника похожи «Фрукты с бронзой»? На Гогена. Гоген изображает культуру Азии, а Матисс вдохновляется скорее Африкой, однако многое берёт у Гогена. Кроме того, если вспомнить, похожие фрукты можно увидеть у Сезанна. Мне кажется, что картины Сезанна находятся где-то «между» «Фруктами и бронзой» и «Бутылкой схидама». Он не настолько углубился в цвет, как Матисс, но зато много работал с формой.

Цвет и линия – главные художественные средства Матисса. Этим он близок к первобытным культурам. Он вообще говорил, что в равновесии цвета и линии и заключена тайна творения. Художнику не важна передача полного сходства настоящего яблока с яблоком нарисованным. Пара мазков – и зритель может понять, что изображено. Такая вот первобытная примитивность и максимальное упрощение.

МАРОККАНСКИЙ ТРИПТИХ

«Вид из окна»

Первым бросается в глаза, конечно цвет. Синий наполняет все три картины, но везде играет разные роли. Посмотрим поближе на «Вид из окна». Очень многое здесь написано синим цветом. Но разве из-за этого становится непонятно, что изображено? Художник играет с цветом и оттенками. По сравнению с «Фруктами и бронзой» цвет здесь более сложен.

Что на картинах должны обозначать такие яркие оттенки синего? Синий здесь – контрастный по отношению к желтому цвет. Он будто бы заливает желтый и, несомненно, передаёт тень. Но пока ещё утро, зной не так силён, и мы не видим, как свет слепит глаза. Посмотрим, что будет твориться ближе к вечеру, когда жара станет совсем невыносимой.

Анри Матисс, «Вид из окна» (1912-1913).

«Вход в Касбу»

Что здесь изменилось, по сравнению с предыдущей картиной?

Синий стал немного более глухим, он будто бы обгорел на солнце. Вместе с тем, желтый почти превращается в белый и немного розоватый. Уже вечер. Тем не менее, от жары все дрожит. На картине уже нет свежести «Вида из окна». Всё превращается в какой-то мираж, и силуэт человека слева едва различим.

Африка для Матисса – удивительная экзотическая тайна, занавес которой он нам чуть-чуть приоткрывает. Ему нравится писать вещи, типичные для арабов, но необычные для него самого. Как, например, те цветы на подоконнике, или типичные простые белые марокканские постройки. Ещё Матиссу явно по душе причудливые арки. На этой картине она похожа на замочную скважину, через которую мы видим новый, чудесный мир.

Анри Матисс, «Вход в Касбу» (1912-1913).

«Портрет Зоры»

Картина вновь заполнена синим и голубым, но в этом случае цвет – вовсе не главное. Матисса увлекает необычный узор костюма девочки. Мы не видим здесь портретного сходства, то есть черты лица общие, и художник мог бы изобразить меня так же, как и эту девочку. Почему же Матисс не назвал картину «Портрет Зоры»? Потому что, несмотря на то, что лицо её больше похоже на маску, она сама уникальна благодаря необычному узору костюма. Костюм, по сути – единственное, что заботит Матисса на этой картине. Многие критики сильно удивлялись и ругали художника за то, что он с меньшим вниманием прописывает, например, руки. С перспективой и фоном тут тоже не всё идеально, но Матисса это и не заботит.

Анри Матисс, «Зора на террасе» (1912-1913).

Скульптура «Ягуар, пожирающий зайца»

В 1899 году Матисс начал ходить на вечерние курсы по скульптуре. И вот перед нами самая первая его работа, «Ягуар, пожирающий зайца». Больше всего художника привлекала возможность показать в объеме экспрессию и дикость существа. Все линии резкие и четкие, мышцы животного напряжены. Если мы посмотрим на скульптуру эпохи Возрождения, увидим, что мастер старается разделить одежду от кожи и земли с помощью разной шлифовки и полировки. Здесь же ягуар и заяц неотделимы друг от друга и от земли. Незаметно даже, где кончаются ноги ягуара, и где начинается земля. Матисс показывает, что ягуар и заяц – такие же дикие, как и природа. Скульптурная техника Матисса очень похожа на технику Родена – такая же грубая фактура материала. От африканской культуры Матисс ничего не берёт, даже сюжет он взял у другого французского скульптора (Антуана-Луи Бари).

Завершая разговор про Матисса, можно сказать, что его интересуют не традиции африканского искусства, а африканские сюжеты. Художника цепляет экзотика и непривычный для него быт.

Анри Матисс, «Ягуар, пожирающий зайца» (1899-1901).

«Дама с веером»

Пикассо очень дружил с Матиссом и даже прятал некоторые его полотна в свой банковский сейф. Несмотря на это, Матисс писал: «мы с Пабло разные, как Северный и Южный полюс». Это хорошо заметно, если посмотреть на их картины. Перед нами «Дама с веером», это ранний кубизм. Можно заметить, что сюжет, в отличие от работ Матисса, совсем не африканский. Но вот исполнение… Давайте рассмотрим поподробнее. Что здесь от Африки, как вам кажется?

• Лицо-маска
• Грубые линии
• Вырубленные очертания предметов
• Внутренняя напряженность.

Здесь гораздо больше африканских черт, чем у Матисса. Удивительно, но Пикассо, как и Матисс, заинтересовался Африкой после того, как увидел африканскую скульптуру. Поэтому, как мне кажется, лицо женщины так похоже на африканскую, выдолбленную из дерева маску. Пикассо поразило то, что африканское искусство стремится воплотить мысли и идеи с помощью самых примитивных средств. Он увидел, что африканское искусство – это то, к чему применима известная поговорка «краткость – сестра таланта». Хотя африканская скульптура – не Поликлет , она тоже несёт в себе много идей, и европейцам есть чему поучиться у Африки. Вот о чем говорит Пикассо в «Даме с веером».

Пабло Пикассо, «Дама с веером» (1909).

Теперь посмотрим, что изменилось к середине ХХ века.

Голова лошади на желтом фоне и юноша с цветком

Следующий художник – француз Фернан Леже. В своих работах он опирается на кубизм, но, конечно, меняет его. Что изменилось по сравнению с Пикассо?

• Яркий цвет
• Контур, как у Матисса
• Более плавные линии, чем у Пикассо

Леже был другом Пикассо, но, понимал кубизм немного иначе. Его кубизм иногда называют «тубизмом» , потому что он вдохновлялся механикой, машинами и трубами. Он даже снял фильм «Механический балет», который представляет из себя танец разных деталей. По поводу этой ленты он писал: «Ошибка в живописи – сюжет, ошибка в кино – сценарий». Поэтому мы не видим сюжета на рельефах, это просто сидящий юноша и просто лошадь.

На самом же деле, Леже никогда не вдохновлялся Африкой и не интересовался ей. Просто к пятидесятым годам Африка стала уже неотъемлемой частью европейского искусства. Даже если художник не интересуется Африкой, она на него влияет.

Фернан Леже, «Голова лошади».

Фернан Леже, «Фигура с цветком и птица», «Цветок с птицей».

А что происходит в Африке сейчас? Для того, чтобы это понять, можно посмотреть, например, на экспозицию музея современного африканского искусства Зейтс (Zeitz) в ЮАР. Видно, что африканские мастера работают с такими традиционными сюжетами, как, например, охота, но все же европейское влияние сильно возросло. Два континента влияют друг на друга, с этим не поспоришь. Тем не менее, в каждой работе виден и художник, и его личный стиль. Можно сказать, что африканское искусство стало более индивидуальным.

.

Скульптура народов Африки давно уже привлекает ценителей всего мира своей самобытностью и непохожестью на привычные произведения традиционного Западного искусства. Несомненным достоинством произведений африканских мастеров является их своеобразное понимание реальности изображения, а также сакральный характер всего искусства.

Магические статуэтки - самая многочисленная группа скульптур в тропической и южной Африке. Для африканцев эти скульптуры являются воплощением сил природы, они способны накапливать энергию жизни и высвобождать ее. Чаще всего представляют собой небольшие фигурки человека с большими рогами, между которых размещается маска (обычно, это изображение вождей племен, шаманов, целителей и других людей, обладающих сильной энергией).

Африканские маски составляют львиную долю музейных коллекций африканской культуры в Европе и Америке. Маска - непременный атрибут большинства магических ритуалов, праздничных шествий и ритуальных танцев. Чаще всего встречаются маски, сделанные из дерева, реже из слоновой кости. Несмотря на то, что для африканских масок характерно необыкновенное разнообразие, каждая из них выполнена в соответствии со строгими канонами племен.

Скульптура в традиционной африканской культуре тесно связана с культом предков. В работах мастеров читается особенный взгляд на мир, стремление выразить эмоциональный мир человека, особенная эстетика, определяющая красоту, как близость к природе, целесообразность и гармонию.

Представления об эстетике в Африке отличаются от европейских. Часто, с точки зрения европейца, скульпторы слишком пристальное внимание уделяют половым органам изображаемых людей. Однако, в рамках культа плодородия это естественный и непременный прием. Абстрактность и схематичное изображение тела и черт лица также можно объяснить особенным вниманием к внутреннему миру, а также связью с культом предков. Всякое скульптурное изображение тесно связано с миром умерших, который сильно отличается от мира живых и представляет собой изображение внутренней сути вещей в представлении мастера, выраженный сложным кодовым языком.

Кроме изображений людей и богов, множество скульптур представляют собой изображение тотемных животных, а также зооморфные изображения. полны самых настоящих шедевров африканской скульптуры народов Конго, Мали, Кот-д"Ивуара и т. д.

Особенная пластика, линии и эмоциональность африканских скульптур в конце 19 века оказали сильнейшее влияние на появление новых направлений в европейской живописи. Такие мастера как , Брак, Матисс, вдохновленные абстракцией африканских скульптур, создали лучшие свои работы.

Современные африканские скульпторы работают в традиционной манере, но используют современные материалы, включая пластик, но основным материалом остается дерево и слоновая кость. По традиции скульптуры из слоновой кости - атрибуты королевских дворцов, поэтому выполнены они особенно тщательно и изысканно.

с выставки в ГМИИ им. А.С. Пушкина
текст и фото: Черномашенцев Владимир

«Искусство Тропической Африки из коллекции М. Л. и Л.М. Звягиных»
Выставка в ГМИИ им. А.С. Пушкина, Музей личный коллекций

Выставка работает 29 апреля - 28 августа 2011 года
ВНИМАНИЕ! Работа выставки продлена до 28 августа 2011 года.

На правах хозяина музея первой выступила Ирина Антонова - директор Пушкинского музея. Её речь разрушила представление о том, что ГМИИ впервые принимает в своих стенах искусство с Черного континета. Новое для музея изобразительных искусств направление оказалось совсем не таким уж и новым. Первая африканская скульптура впервые появилась в России в собрании московского коллекционера Сергея Ивановича Щукина. Он приобрёл её в 1910-е годы в Париже по совету художника Пабло Пикассо. После революции несколько африканских экспонатов из коллекции Щукина перекочевали в собрание ГМИИ . Не имея полноценного раздела этнического искусства, музей не мог экспонировать скульптуры в штучном количестве. Можно догадаться, что текущая выставка - самый серьезный показ самых первых африканских экспонатов из собрания музея:

Деревянные резные произведения датируются второй половиной 19 века.

Ирина Антонова сказала, что музеи африканского искусства - именно искусства, а не этнографии - достаточно распространённое явление для художественной жизни Европы и США. В то время как на российском музейном пространстве Африка - своего рода огромное "белое пятно", если так можно выразиться по отношению к Черному континенту. Коллекция М.Л. и Л.М. Звягиных нарушает столь печальную традицию. Высочайший художественный уровень собрания Звягиных, частично переданного в Пушкинский музей, начинает демонстрацию нового для российского зрителя искусства. Пока в рамках Музея частных коллекций, но по мере расширения музейных площадей возможно создание постоянной экспозиции.

Выступление директора ГМИИ Ирины Антоновой и Леонида Михайловича Звягина.

С ответным словом, как это обычно водится, выступил гость - создатель собрания Леонид Михайлович Звягин . Он открыл секрет, каким образом ему удалось за несколько десятилетий сделать столь сильную колллекцию далекого от России искусства. Выяснился крайне интересный момент: начало положили европейские покупки предметов африканского искусства. В конце 80-х годов Л.М. Звягин приобрёл в Германии свои первые экспонаты на деньги, вырученные от продажи собственных картин. Основной же костяк коллекции формировался не в Африке, как мне думалось поначалу, а ещё в более далекой от России, да от самой Африки стране - США.

Звягин прожил несколько лет в США, где нашёл богатейший рынок африканского искусства. Лучшие образцы вывозились с Черного контитента, легально и не совсем легально - ничего не поделать, доллары притягивают даже искусство. На вернисаже с удивлением высказался дипломат-представитель МИД РФ - он в Африке не видел таких сильных произведений искусства, какие смог отобрать Леонид Михайлович Звягин в американских антикварных лавках и магазинах. Удивительно, но в современном мире оказывается возможным создать отличную коллекцию африканского искусства не тратя время и силы на поездки в далекую экзотическую сторону.

Правитель (оба) в воинском облачении. Бенин, Нигерия. Бронза. Фрагмент

Музыкант, играющий на роге. Бенин, Нигерия. Бронза. Фрагмент

Привычный музейный интерьер, бывший когда-то дворовым экстерьером московской усадьбы, не гармонирует с африканскими идолами и фантастическими ритуальными персонажами. И лишь в нейтрально оформленных музейных залах визуальные противоречия пропадают, и тогда внимание зрителей фокусируется на главном предмете - коллекции Звягиных.

Сидящая женщина с сосудом. Культура Дженне, Мали. Терракота.

Маска в виде женского торса. Йоруба, Нигерия. Дерево

Маска ммво. Игбо, Нигерия. Дерево. Фрагмент

Предыдущая статья: Лексический разбор слова - что это такое? Следующая статья: Почему считают, что родина пельменей - Китай