Русское искусство 1 половины 19 века. Искусство России первой половины XIX века. Характерные особенности русского сентиментализма

В эпоху правления Александра 1 русское искусство достигло высокого художественного уровня, русская архитектура достигла своей вершины. В это время в Санкт-Петербурге была построена значительная часть выдающихся архитектурных сооружений, ставших памятниками русской архитектуры классицизма. Это: Казанский собор, здание Горного института (арх.А.Воронихин), Михайловский дворец, Александринский театр (арх. К. России), здание Биржи (арх. Ж.Ф. Тома де Томон), Адмиралтейство (арх. Андрей Захаров), Троицкий собор, Преображенский собор (арх. В. Стасов).

После победы России в войне 1812 года, в России развивается стиль ампир , развившийся на основе «александровского классицизма». Декоративные элементы петербургского ампира составлялись из элементов древнеримского военного снаряжения (по традиции с французским ампиром). Это были легионерские знаки с орлами, связки копий, топоров, пучков стрел, изображения щитов, использовались также элементы египетского искусства: египетский орнамент, изображения сфинксов. Для русского ампира характерным был бледно-желтый цвет зданий и белый цвет колонн, фронтонов, пилястров, и др. деталей архитектурного декора (цвета наполеоновского ампира – красный, синий белый с золотом). Ведущим архитектором, выразившим идеи русского ампира был Карл Росси. Он построил 12 улиц и 13 площадей в центре Петербурга. Творения К. Росси: Дворцовая площадь, Михайловский дворец с обширным парком и службами, Александринский театр. Росси мастерски сочетал архитектурные формы с со скульптурным и живописным убранством снаружи и внутри. Он проектировал место и характер рельефов, росписей, статуй, драпировки, мебели. Декор в интерьере подчинялся тому же принципу, что и наружное оформление. Одним из лучших образцов ампирного интерьера является Белый зал Михайловского дворца . Спокойная белизна стен и колонн оттенена позолотой лепных карнизов и коринфских капителей. Над дверными проемами – барельефы с фигурами отдыхающих вакханок, венками, гирляндами и прочими ампирными атрибутами. Роспись потолка и верхней части стен соединяет многоцветную живопись, золотые узоры и гризайль (однотонная роспись). Золотистый тон паркета и дверей гармонирует с голубой обивкой золоченой мебели. Интерьер дополняется высокими торшерами в виде колонн, люстрами, канделябрами, подсвечниками, выполненными из бронзы, камня и хрусталя. При всем разнообразии отделка интерьера отличается чувством меры, в целом характерном для ампира.

В первые годы царствования императора Николая 1. продолжалась деятельность К. России, В. Стасова. «Николаевский ампир» стал последней фазой развития классицизма в русской архитектуре. Наглядное представление об архитектуре этого периода дают здания Исаакиевской площади в Петербурге. Исаакиевский собор возведен по проекту архитектора Огюста Монферана. Огромное, прямоугольное в плане здание, с четырех сторон оформлено одинаковыми многоколонными портиками с тяжелыми фронтонами, украшенными горельефами. Над собором на высоту 101 м. возносится золоченый купол, барабан окружен колоннадой, увенчанной балюстрадой со статуями. В интерьере собора большую роль играют скульптура, мозаика, живопись(выполненная живописцами академического классицизма К. Брюлловым, Ф.Бруни, П. Басиным) .

Живопись первой половины 19 в. представлена различным направлениями: был классицизм, развивался романтизм.

Русский романтизм не был таким мощным художественным движением, как во Франции и Германии. В нем нет крайнего возбуждения, нет трагической безысходности.

В жанре портрета романтизм проявился в творчестве Ореста Кипренского, Василия Тропинина.

О.Кипренский закончил Петербургскую Академию живописи по классу исторической живописи. В молодые годы вращается в кругу свободомыслящей дворянской интеллигенции. Знал поэтов-романтиков Батюшкова, Вяземского, ему позировал В.Жуковский, а позже и А.Пушкин. В портретах Кипренский стремился открыть различные грани человеческого характера и духовного мира человека. Для этого он использует всякий раз разные живописные приемы. От классицизма Кипренский берет идеализацию образа, но стремится показать романтический полет души. К числу наиболее значительных работ принадлежит серия портретов военных – участников войны 1812г. (Е.Давыдова, И. и А.Ланских и др.). Живопись Кипренского отличается артистической свободой. В свободной позе, задумчиво глядя в сторону, небрежно облокотясь на каменную плиту, стоит полковник лейбгycapoв E.B. Давыдов (1809, ГРМ). Этот портрет воспринимается как собирательный образ героя войны 1812 г., хотя он вполне конкретен. Романтическое настроение усилено изображением грозового пейзажа, на фоне которого представлена фигура. Колорит построен на звучных, взятых в полную силу цветах – красном с золотом и белом с серебром в одежде гусара – и на контрасте этих цветов с темными тонами пейзажа. Шедевром Кипренского является «Портрет Пушкина»(1827г.). Реальная внешность поэта и озаренное вдохновением лицо. Поэт написал об этом: «Себя как в зеркале я вижу, но это зеркало мне льстит». В портрете Кипренский создавал собирательный образ. Кипренский стал основоположником русского карандашного портрета.

К художникам-романтикам относят Василия Тропинина (к 45 годам освободился от крепостной зависимости). Прожил долгую плодотворную жизнь, получил прижизненное признание, звание академика, стал самым известным художником московской портретной школы 20-30-х годов. В портретах кисти Тропинина нет романтического порыва Кипренского. Лучшие из портретов Тропинина отмечены высоким художественным совершенством. Особенно это видно в портрете сына Арсения, необычайно искреннем образе, живость и непосредственность которого подчеркивается умелым освещением: правая часть фигуры, волосы пронизаны, залиты солнечным светом, искусно переданным мастером. Гамма цветов от золотисто-охристых до розово-коричневых необычайно богата, широкое применение лессировок еще напоминает живописные традиции XVIII в.

Как правило, образ у Тропинина дается на нейтральном фоне при минимуме аксессуаров. Именно так изобразил Тропинин А.С. Пушкина (1827) – сидящим у стола в свободной позе, одетым в домашнее платье, что подчеркивает естественность внешнего облика. В образах Тропинина искренность выражения, простота, безыскусность, правдивость характеров, достоверность бытовых деталей. Тропинин стал создателем портрета-картины, т. е. портрета, в который привнесены черты жанра. «Кружевница», «Пряха», «Гитарист», «Золотошвейка»- это типизированные образы с определенным сюжетом. Художник передает внутренний мир своих героев.

Романтический пейзаж представлен на полотнах Сильвестра Щедрина. Жил за границей после академии художеств, писал гавани в г.Сорренто, набережные г.Неаполя, разные виды г. Рима. Всё художник передает в сложном взаимодействии световоздушной среды, использует серебристо-серые тона с ударами красного (в ржавой листве осенних деревьев, в одежде и т.д.) Его картины: «Берег в Сорренто с видом на о. Капри», «Вид Неаполя в лунную ночь».

Романтизм в пейзажной живописи ярче всего представлен творчеством Алексея Венецианова (ученик Боровиковского). В его картинах представлена безмятежная крестьянская жизнь: «На пашне. Весна», «На жатве. Лето», «Утро помещицы», «Косцы». Венецианов передавал поэтичность народной жизни, в этом романтическая прелесть его картин. Венецианов не вскрывал острейших противоречий современной жизни русского крестьянина, не поднимал «больных вопросов» современности. Это патриархальный идиллический быт. В картинах «ничего не происходит», герои статичны, но человек всегда находится в единении с природой, в вечном труде, и это делает образы Венецианова истинно монументальными.

Русская историческая живопись 30-40-х годов 19 века тоже развивалась под знаком романтизма. Карл Брюллов был тем художником, который нашел компромисс между идеалами классицизма и нововведениями романтизма. После академии художеств жил в Италии, после поездки в г. Помпеи работает над своим главным произведением «Последний день Помпеи» (1830-1833). Показал реальное событие античной истории – гибель города при извержении вулкана Везувий в 79г. н.э. (темы в классицизме – всегда исторические). Тема смерти характерна для романтизма, даже в гибели человек остается прекрасен: юноша спасает свою возлюбленную, мать прикрывает ребенка, художник уносит краски, но покидая разрушаемый город, старается запечатлеть ужасное зрелище. Художник показал величие и достоинство человека перед лицом смерти. Живописное освещение сделано с романтическими эффектами.

Александр Иванов был центральной фигурой в живописи середины века. После академии художеств жил в Италии, за 1,5 месяца до смерти возвращается на родину. Главная картина - «Явление Христа народу». Иванов долго шел к этому произведению. Верил в идею пророческого предназначения художника в этом мире, верил в совершенствование человека, ищущего свободы и правды. Показал духовное прозрение людей, увидевших Иисуса, так выразил идею нравственного совершенствования человечества. Принадлежность этой картины к романтизму оспаривается: в ней нет драматического сюжета, динамики действия, нет бушевания страстей, цветовых и световых эффектов. Вместе с тем идея и общий замысел несомненно романтичны: призыв Иоанна Крестителя и проповедь И.Христа должны были пробудить от «векового безмолвия» народ Иудеи.

Скульптура.

В 1838 году П.К.Клодт получил звание академика и назначен профессором скульптуры Академии художеств.

Петр Клодт – выдающийся скульптор, создававший скульптурные группы коней. Они украшают Аничков мост с Санкт-Петербурге, Большой театр (квадрига с Аполлоном на фронтоне театра) . Торжественное открытие моста со скульптурами Клодта состоялось 20 ноября 1841 года при большом стечении восхищенной публики.

На первой из этих работ конь встал на дыбы, он возбужден, ноздри его раздуты, он пытается вырваться, но юноша-возничий взнуздал его и укрыл попоной. На второй - конь еще остается возбужденным, но подчинился человеку, юноша ведет его рядом с собой - взнузданного, подкованного и укрытого попоной. П.К.Клодт участвовал в украшении интерьеров Исаакиевского собора (горельеф "Христос во Славе"). Он автор памятника И.А.Крылову в Летнем саду в Санкт-Петербурге, статуи Владимира Святого в Киеве. Последняя из его великих работ - памятник его покровителю, императору Николаю I Санкт-Петербурге.

Живопись первой половины XIX века:

Тенденция реалистической живописи 18-го века остаётся ведущей и в первой половине нового столетия, особенное внимание обращается в этот период на черты русской жизни, которые носят характер народный и национальный. Значительным достижением русской живописи первой трети 19-го века было развитие портретного жанра. Портреты этого времени освещает гуманизм пушкинской эпохи с её безграничным уважением к достоинству человека. Патриотический подъём, вызванный борьбой против французской интервенции 1812 года, ожидание торжества социальной справедливости придали мироощущению передового человека этой эпохи возвышенный характер, вместе с тем гражданское начало соединялось здесь с лирическим, интимным, что придавало духовному облику лучших людей того времени особенную полноту.

К числу крупнейших русских портретистов первой половины 19-го века принадлежит Василий Андреевич Тропинин (годы жизни 1776-1857),один из основоположников романтизма в живописи России. В своих портретах Тропинин раскрывал ценность человеческой личности во всей конкретности её внешнего облика и духовного мира. Портреты Тропинина легко узнать по благодушному выражению лица, свойственному его персонажам, он наделял своих персонажей собственным спокойствием и доброжелательностью. Помимо портретов Тропинин разрабатывал в своем творчестве и бытовую тематику, что делает его также одним из основоположников русской жанровой живописи.Шедевром раннего творчества Тропинина можно назвать "Портрет Арсения Тропинина". Детские образы были для художника особенно привлекательны. Большая часть детских портретов работы Тропинина имеет жанровую завязку, он изображает детей с животными, птицами, игрушками, музыкальными инструментами («Мальчик с жалейкой», «Мальчик со щеглом» и другие). "Портрет Арсения Тропинина" подкупает искренностью и чистотой эмоций, написан он легко и обобщённо. Изысканный колорит построен на сочетании золотисто-коричневатых тонов, сквозь красочный слой и лессировки просвечивает розоватый тон грунта и подмалёвка.

В. А. Тропинин. Кружевница. 1823 г.

Картина «Кружевница» принесла Тропинину славу мастера женских образов и стала значительным явлением в живописном искусстве того времени.

Образ миловидной девушки, на мгновение оторвавшейся от своего занятия и взглянувшей на зрителя, наводит на мысль, что ей труд ничуть не в тяжесть, что это всего лишь игра. Тщательно и с любовью написан натюрморт - кружева, коклюшки, ящик для рукоделия. Ощущение покоя и уюта, созданное Тропининым в этой картине, убеждает в ценности каждого мгновения повседневного человеческого бытия.

К ранним формам русской жанровой живописи можно отнести и другие портреты крепостных рукодельниц кисти Тропинина - золотошвеек, вышивальщиц, прях. Их лица похожи, в них ясно просматриваются черты женского идеала художника - нежный овал, тёмные миндалевидные глаза, приветливая улыбка, кокетливый взгляд. Эти работы Тропинина отличают чёткие контуры и корпусное наложение красок, живописная фактура приобретает плотность. Мелкие, плотно положенные мазки делают картины похожими на миниатюры в технике эмали.

В. А. Тропинин. Портрет А. С. Пушкина. 1827 г.

В 1827 году Тропинин написал знаменитый портрет А. С. Пушкина. В этом портрете художник выразил свой идеал свободного человека.

Пушкин изображён сидящим в непринуждённой позе, правая рука положена на столик с раскрытой книгой. Фон и одежда объединены общим золотисто-коричневым тоном, на котором выделяется лицо поэта, – самое интенсивное красочное пятно и композиционный центр картины. В широко раскрытых голубых глазах поэта светится подлинное вдохновение. Все современники отмечали в этом портрете безукоризненное сходство с Пушкиным, где художник, добросовестно следуя натуре, сумел запечатлеть и высокую одухотворённость поэта.

На 1830-1840-е годы приходится наибольшее количество портретов, написанных Тропининым. Это портреты первых лиц в городской иерархии и лиц частных - дворян, купцов, а также духовно близких Тропинину актёров, писателей, художников.

В эти годы под влиянием вернувшегося в Россию из Италии Карла Брюллова у Тропинина появляются произведения большого размера по типу парадного портрета. В портрете самого Брюллова артистическую незаурядность художника Тропинин подчеркивает пышным фоном с античными развалинами, увитыми виноградными лозами и дымящимся Везувием.

Поздние произведения Тропинина привлекают своей жанровой наблюдательностью, предвосхищающей интерес к бытописанию, свойственный русской живописи 1860-х годах.

Стоит отметить, что Тропинин большую часть жизни был крепостным и получил вольную только в 47 лет (а его семья, жена и сын, спустя ещё 5 лет), но, несмотря на это, всю жизнь художник сохранял доброжелательное отношение к людям, изображая их в портретах в добром расположении духа и с приятным выражением лица.

Василий Андреевич Тропинин за всю свою долгую творческую жизнь создал более трёх тысяч портретов, оказав огромное влияние на формирование московской школы живописии развитие реалистических тенденций в русском искусстве.

Одним из самых значительных русских живописцев первой половины 19-го века можно назвать Карла Павловича Брюллова (годы жизни 1799-1852). Брюллов в своём творчестве тяготеет к большим, историческим полотнам, общий замысел их зачастую романтичен, хотя в них и сохраняются черты классицизма, и реалистическая основа.

Карл Брюллов родился в семье академика, резчика по дереву и живописца-декоратора. В 1809 г. Брюллов был принят в Академию художеств, с отличием её окончив, был отправлен в пенсионерскую поездку в Италию, где им был написан цикл картин на тему жизнеутверждающей красоты здорового человека, всем своим существом ощущающего радость бытия («Итальянское утро», «Итальянский полдень», «Вирсавия»).

Отчётливо звучит эта тема радостной красоты и гармонии в картине «Итальянский полдень». Мастерски передает Брюллов эффект солнечных лучей, пронизывающих листву и виноградную кисть, налитую соком, прослеживает игру света и смягчённой рефлексами тени на смуглой коже итальянки, сохраняя при этом чёткость пластических объемов её обнаженных плеч и полных рук.

Карла Брюллова можно назвать и мастером парадного портрета. Романтическая приподнятость образа, его декоративность, пластическая чёткость объёмной формы и изумительная материальность фактуры предметов отличают лучшие парадные портреты Брюллова, такие, как «Всадница» и два портрета графини Юлии Самойловой.

Однако можно отметить, что парадные портреты Брюллова лишены той значительности, которая присуща репрезентативному изображению 18-го века. Многие парадные портреты Брюллова носят характер чисто внешний, предваряя салонный портрет второй половины 19-го века.

В отличие от заказных парадных портретов особая точность психологических характеристик моделей отличает портреты людей искусства работы Брюллова (поэта Кукольника, скульптора Витали, баснописца Крылова, писателя и критика Струговщикова).

В портрете Витали Брюллов изображает скульптора как увлечённого творца, блеск увлажнённых глаз выдает напряжённость творческого состояния, а простая одежда с небрежно откинутым воротником белой рубашки напоминает о рабочей обстановке скульптора. Брюллов ярким светом выделяет лицо и руку Витали, погружая всё остальное окружение в мягкую полутьму.

К. П. Брюллов. Последний день Помпеи. 1830-1833 гг.

Вершиной творческих достижений, яркого таланта и виртуозного мастерства Карла Брюллова можно назвать большую историческую картину «Последний день Помпеи», характеризующую романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом и повышенным интересом к пленэру.

На картине Брюллов изобразил момент извержения Везувия в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Трагически неотвратима гибель людей под действием слепых, стихийных сил, зарево вулкана и свет молний озаряют мечущуюся в ужасе толпу людей, ищущих спасения. Брюллов объединяет в образах персонажей этой картины традиционную для классицизма героическую идеализацию и присущую новому романтическому направлению склонность к изображению натур в исключительных ситуациях.

В построении композиции картины Брюллов использует основные правила классицизма: фронтальность и замкнутый характер композиции, её деление в глубину на три плана, распределение действующих лиц по группам, скомпонованным в виде академических треугольников. Такое построение композиции в стиле классицизма вступает в противоречие с общим романтическим характером замысла картины, внося в картину некоторую условность и холодность.

В отличие от современников, освещавших картины нейтральным рассеянным дневным светом, Брюллов смело и успешно берётся за передачу сложнейшего двойного освещения: горячего красного света от пламени вулкана в глубине и холодного, зеленовато-голубоватого света на переднем плане от вспышки молнии.

Картина "Последний день Помпеи" Карла Брюллова произвела сенсацию, как в России, так и за рубежом, знаменуя собой первый большой международный успех русской живописной школы.

Скульптура первой половины XIX века:

П.О. Росси. Портрет И. П. Мартоса

Первые десятилетия 19-го века отмечают большие достижения русской скульптуры и, в первую очередь, монументальной пластики.

Наиболее выдающимся представителем русского классицизма в скульптуре этого периода можно назвать Ивана Петровича Мартоса (годы жизни 1754-1835).

В творчестве Мартоса большое место занимает мемориальная скульптура. Мартоса можно назвать одним из создателей своеобразного типа русского надгробия эпохи классицизма. В числе первых дошедших до нас произведений Мартоса выделяется надгробие С. С. Волконской, представляющее собой мраморную плиту с барельефным изображением плачущей женщины рядом с урной. Стройная, величавая фигура целиком задрапирована в длинные одежды, лицо затенено наброшенным на голову покрывалом и почти не видно. Произведению Мартоса присуща большая мера сдержанности в передаче человеческой скорби; спокойное и ясное решение общей композиции надгробия.

Те же черты отличают и надгробие Е. С. Куракиной. Вместо сложной многофигурной композиции скульптор расположил на постаменте надгробия лишь одну полулежащую фигуру женщины; облокотившись на овальный медальон с портретом умершей, женщина в скорби закрывает лицо руками. На постаменте надгробия Мартос высек барельеф с изображением двух сыновей умершей на характерном для классицизма гладком нейтральном фоне.

Сила и драматизм глубоких человеческих чувств переданы в этом произведении Мартосом с художественным тактом и пластической выразительностью.

В мраморных надгробиях Мартоса с глубокой поэтичностью раскрывается тема скорби, в них ощущается большая искренность чувств, возвышенно-этическое понимание человеческого горя, в них отсутствует подавляющий человека ужас смерти.

И. П. Mapтос. Памятник Минину и Пожарскому в Москве. 1804- 1818 гг.

Наиболее значительным произведением Мартоса и одним из величайших творений русской монументальной скульптуры также можно назвать памятник Минину и Пожарскому на Красной площади в Москве, посвящённый руководителям второго народного ополчения во время польской интервенции в Смутное время, и победе над Польшей в 1612 году.

Памятник Минину и Пожарскому представляет собой скульптурную группу на гранитном пьедестале строгой прямоугольной формы. Простирая руку в сторону Кремля и словно призывая к спасению отечества, Кузьма Минин вручает князю Пожарскому меч, Пожарский, принимая меч и придерживая левой рукой щит, поднимается со своего ложа, на котором он покоился после полученных ранений.

Доминантным образом в группе является фигура Кузьмы Минина; его могучая фигура явно главенствует и привлекает основное внимание широким свободным взмахом руки. В постамент с двух сторон врезаны горельефы, передний горельеф изображает граждан-патриотов, жертвующих свое имущество на благо Родины, задний - изображает князя Пожарского, гонящего поляков из Москвы.

Мартос лаконичными средствами сумел в полной мере выразить в монументе идею гражданского долга и подвига во имя родины, что полностью отвечало делам и чувствам русского народа после победы в войне с французами в 1812 году.

Памятная надпись на постаменте

Работы Мартоса позднего периода предвосхищают романтические тенденции скульптуры второй половины 19-го века. Мартос создаёт памятники, играющие большую роль в создании образного строя городов: герцогу Э. Ришелье в Одессе, Александру I в Таганроге, Г. А. Потемкину-Таврическому в Херсоне, М. В. Ломоносову в Архангельске.

Среди поздних монументальных произведений Мартоса выделяется памятник Ришелье в Одессе, ставший символом этого города. Мартос изобразил Ришелье облачённым в древнеримскую тогу, его движения сдержанны и выразительны, что подчёркивает благородную простоту образа. Монумент композиционно связан с окружающим архитектурным ансамблем: со зданиями, расположенными по полукружию площади, со знаменитой одесской лестницей и приморским бульваром.

Иван Петрович Мартос сыграл определяющую роль в формировании творчества многих русских скульпторов 19-го столетия. Он более пятидесяти лет преподавал в Академии художеств, с 1814 г. был её ректором.

В творчестве многих скульпторов первой половины 19-го века можно увидеть усиливающийся интерес к передаче реальности и увлечение жанрово-бытовой тематикой, что будет определять черты искусства второй половины столетия. Расширение тематики скульптурных произведений и интерес к жанру более всего характерны для творчества П. К. Клодта.

Пётр Карлович Клодт (годы жизни 1805-1867) - русский скульптор из баронской семьи Клодт фон Юргенсбург балтийско-немецкого происхождения.

В юности барон Клодт по настоянию отца, начальника штаба Отдельного Сибирского корпуса, поступил в артиллерийское училище, но всё свободное время, он отдавал своему главному увлечению: при малейшей возможности Клодт брался за карандаш или перочинный ножик и рисовал или резал лошадей в малых размерах.

В 23 года Клодт ушёл с военной службы и посвятил свою дальнейшую жизнь исключительно скульптуре. В 1830-м году Клодт поступил вольнослушателем в Академию художеств, его учителями стали ректор Академии И. П. Мартос, а также известные мастера скульптуры С. И. Гальберг и Б. И. Орловский. В это же время большим успехом стали пользоваться статуэтки Клодта, изображающие лошадей.

Первым знаменитым монументальным произведением Клодта можно назвать скульптурную группу коней в оформлении Нарвских ворот в Санкт-Петербурге. Над этим большим правительственным заказом Клодт трудился совместно с такими опытными скульпторами как С. С. Пименов и В. И. Демут-Малиновский.

По модели Клодта на аттике арки ворот установили медную шестёрку коней, несущую колесницу богини славы. В отличие от классических изображений этого сюжета, кони в исполнении Клодта стремительно несутся вперёд и встают на дыбы, сообщая при этом всей скульптурной композиции впечатление порывистого движения.

С 1833-го по 1841-й годы Клодт работает над моделями четырёх групп «Укротителей коней», установленных на Аничковом мосту в Санкт-Петербурге.

Романтически звучащая тема этих групп, выполненных в лучших традициях русского классицизма, может быть определена как борьба воли и разума человека с силами природы. Поверженный наземь при первой попытке обуздать животное, человек в итоге всё же становится победителем. Чётко переданные упругие объёмы характерны для всех четырех групп, ясны и выразительны их силуэты. Благодаря этим качествам скульптурные группы Клодта композиционно цельно входят в окружающий архитектурный городской ансамбль.

П. К. Клодт. Укротитель коня. 1833-1841 гг.	В первой группе обнажённый атлет сдерживает вздыбленного коня, животное и человек напряжены. Нарастание борьбы показано с помощью двух основных диагоналей: плавный силуэт шеи и спины лошади образует первую диагональ, которая пересекается с диагональю, образуемой фигурой атлета. Движения выделены ритмичными повторами.
	Во второй группе голова животного высоко вздёрнута, пасть оскалена, ноздри раздуты, конь бьёт передними копытами по воздуху, фигура человека развёрнута по спирали в попытке осадить коня. Основные диагонали композиции сближаются, силуэты коня и человека словно переплетаются между собой.
	В третьей группе человек повержен на землю, а конь пытается вырваться на волю, победно выгибая шею, его свободе препятствует только узда в левой руке человека. Основные диагонали композиции чётко читаются и выделяется их пересечение. Силуэты коня и человека образуют раскрытую композицию, в отличие от первых двух групп.
	В четвёртой группе человек укрощает разъярённое животное: опираясь на одно колено, он останавливает дикий бег коня, обеими руками сжимая узду. Силуэт коня образует пологую диагональ, силуэт человека прикрывается драпировкой, спадающей со спины коня. Общий силуэт монумента вновь становится замкнутым и уравновешенным.

В 1848-55 гг. Клодт создаёт памятник великому поэту-баснописцу И. А. Крылову для Летнего сада в Санкт-Петербурге. Это произведение Клодта стало новым, неожиданным словом в монументальной городской скульптуре.

Клодт отказывается здесь от всех условных и идеализирующих приёмов скульптуры классицизма и передаёт свои живые впечатления и облик человека, которого хорошо знал и любил. Скульптор изображает поэта сидящим в простой, естественной позе, акцентируя внимание на лице Крылова, в котором раскрывается его личностная характеристика. Необычно решает Клодт постамент памятника, всю среднюю часть которого занимает сплошной, опоясывающий по периметру горельеф с изображениями разнообразных животных, персонажей басен Крылова. Несмотря на некоторую критику за чрезмерный реализм в изображении животных на постаменте, монумент был высоко оценен и занял достойное место в истории русской скульптуры.

В течение всей жизни много внимания Клодт уделял малой пластике - небольшим статуэткам, изображавшим лошадей ("Лошадь на водопое", "Покрытый попоной конь, вставший на дыбы", "Конь, скачущий галопом", "Жеребёнок" и др.). Скульптор в этих статуэтках мастерски передаёт индивидуальный характер каждого животного; это настоящие портреты, выполненные проникновенно, с чутким вниманием и неподдельным уважением к натуре.

Введение

В первой половине XIX века все более усиливается кризис феодально-крепостнического строя, тормозившего формирование капиталистического уклада. В передовых кругах русского общества распространяются и углубляются вольнолюбивые идеи. События Отечественной войны, помощь русских войск в освобождении государств Европы от тирании Наполеона усугубили патриотические и свободолюбивые настроения. Критике подвергаются все основные принципы феодально-крепостнического государства. Становится ясной иллюзорность надежд на изменение социальной действительности с помощью государственной деятельности просвещенного человека. Восстание декабристов в 1825 году было первым вооруженным выступлением против царизма. Оно имело огромное влияние на русскую прогрессивную художественную культуру. Эта эпоха породила гениальное творчество А. С. Пушкина, народное и всечеловеческое, полное мечты о свободе.

Изобразительное искусство первой половины XIX века обладает внутренней общностью и единством, неповторимым обаянием светлых и гуманных идеалов. Классицизм обогащается новыми чертами, его сильные стороны отчетливее всего проявились в архитектуре, исторической живописи, отчасти в скульптуре. Восприятие культуры античного мира стало более историчным, чем в XVIII веке, и более демократичным. Наряду с классицизмом получает интенсивное развитие романтическое направление и начинает формироваться новый реалистический метод.

После подавления восстания декабристов самодержавие установило жестокий реакционный режим. Его жертвами были А. С. Пушкин, М. Ю. Лермонтов, Т. Г. Шевченко и многие другие. Но Николай I не мог подавить недовольства народа и прогрессивную общественную мысль. Освободительные идеи распространялись, охватывая не только дворянскую, но и разночинную интеллигенцию, начинавшую играть все более значительную роль в художественной культуре. В. Г. Белинский стал основоположником русской революционно-демократической эстетики, воздействовавшей на художников. Он писал о том, что искусство - форма народного самосознания, возглавил идейную борьбу за творчество, близкое жизни и общественно ценное.

Русская художественная культура первой трети XIX века складывалась в период общественного подъема, связанного с героическими событиями Отечественной войны 1812 года и развитием антикрепостнических и вольнолюбивых идей преддекабристского периода. В это время достигли блистательного расцвета все виды изобразительного искусства и их синтез.

Во второй трети XIX века в связи с усилившейся правительственной реакцией искусство во многом утратило те прогрессивные черты, которые были свойственны ему ранее. Классицизм к этому времени в сущности исчерпал себя. Архитектура этих лет вступила на путь эклектики - внешнего использования стилей разных эпох и народов. Скульптура утеряла значительность содержания, она приобретала черты поверхностной эффектности. Перспективные поиски наметились лишь в скульптуре малых форм, здесь так же, как в живописи и графике, росли и укреплялись реалистические начала, утверждавшиеся вопреки активному сопротивлению представителей официального искусства.

Классицизм в первой половине XIX века в соответствии с романтическими тенденциями создавал образы приподнято-одухотворенные, эмоционально-возвышенные. Однако обращение к живому непосредственному восприятию природы и разрушение системы так называемых высоких и низких жанров уже противоречило академической эстетике, опиравшейся на классицистические каноны. Именно романтическое направление русского искусства первой трети XIX века подготовило развитие реализма в следующие десятилетия, ибо оно до известной степени сближало художников-романтиков с действительностью, с простой реальной жизнью. Это было внутренней сущностью сложного художественного движения всей первой половины XIX века. Не случайно формирование в конце этого периода сатирического бытового жанра в живописи и в графике. В целом искусство названного этапа - архитектура, живопись, графика, скульптура, прикладное и народное творчество - выдающееся, полное своеобразия явление в истории русской художественной культуры. Развивая прогрессивные традиции предшествующего столетия, оно создало множество великолепных произведений большой эстетической и общественной ценности, внеся вклад в мировое наследие.

Важным свидетельством перемен, происходивших в русском искусстве первой половины XIX века, было стремление широких кругов зрителей знакомиться с выставками. В 1834 году в "Северной пчеле", например, сообщалось, что желание видеть "Последний день Помпеи" К. П. Брюллова охватило петербургское население, разлилось "во всех состояниях и классах". Эта картина, как утверждали современники, во многом послужила сближению "нашей публики с художественным миром".

Девятнадцатый век отличался еще и расширением, углублением связей русского искусства не только с жизнью, но и художественными традициями других народов, населявших Россию. В произведениях русских художников стали появляться мотивы и образы национальных окраин, Сибири. Разнообразнее становился национальный состав учащихся российских художественных заведений. В Академии художеств, в организованном в 1830-е годы Московском училище живописи, ваяния и зодчества учились уроженцы Украины, Белоруссии, Прибалтики, Закавказья и Средней Азии.

Во второй половине XIX и начале XX века лишь отдельные мастера и в первую очередь А. А. Иванов вызывали интерес в художественном мире России. Только в годы советской власти искусство этого периода получило широкое признание. В последние десятилетия советское искусствознание уделяло большое внимание изучению творчества мастеров первой половины XIX века, особенно в связи с большими юбилейными выставками А. Г. Венецианова, А. А. Иванова, О. А. Кипренского, 225-летия Академии художеств СССР.

Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.

Кипренский Орест Адамович , русский художник. Выдающийся мастер русского изобразительного искусства романтизма, известен как замечательный портретист. В картине «Дмитрий Донской на Куликовом поле» (1805, Русский музей) Первый его живописный портрет («А. К. Швальбе», 1804, там же), написанный в «рембрандтовской» манере. Портрет мальчика А. А. Челищева (около 1810-11), парные изображения супругов Ф. В. и Е. П. Ростопчиных (1809) и В. С. и Д. Н. Хвостовых (1814, все - Третьяковская галерея). Его портрет молодого, овеянного поэтической славой А.С. Пушкина является одним из лучших в создании романтического образа.

Реалистическую манеру отражали произведения В.А. Тропинина. Ранние портреты Тропинина, (семейные портреты графов Морковых 1813-го и 1815-го годов, оба - в Третьяковской галерее), Таков и А. С. Пушкин на знаменитом портрете 1827 года (Всероссийский музей А. С. Пушкина, г. ПушкинДо 47-летнего возраста находился он в крепостной неволе. Поэтому, наверное, так свежи, так одухотворены на его полотнах лица простых людей. И бесконечны молодость и очарование его «Кружевницы». Чаще всего В.А. Тропинин обращался к изображению людей из народа ("Кружевница", "Портрет сына" и др.).

Картины.К.П. Брюллова "Последний день Помпеи" .Через три года картина «Последний день Помпеи» совершила триумфальное путешествие из Италии в Россию. Брюллов был связан с Академией всем своим творчеством. Последние годы он болел.

В первой половине XIX в. жил и творил художник Александр Андреевич Иванов (1806-1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного пробуждения народа, воплотив ее в картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над картиной.

В первой половине XIX в. в русскую живопись входит бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847). Он посвятил свое творчество изображению жизни крестьян. Однако картины Венецианова «Гумно», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками», "Захарка", "Утро помещицы" отображая красоту и благородство простых русских людей, служили утверждению достоинства человека вне зависимости от его социального положения.

Его традиции продолжил Павла Андреевича Федотов (1815-1852). Его полотна реалистичны, наполнены сатирическим содержанием, разоблачающим торгашескую мораль, быт и нравы верхушки общества ("Сватовство майора", "Свежий кавалер" и др.). Свой путь художника-сатирика он начинал будучи офицером-гвардейцем. Тогда он делал веселые, озорные зарисовки армейского быта. В 1848 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». Комедийно-сатирический характер носят и другие картины Федотова («Завтрак аристократа», «Сватовство майора»). Последние его картины очень печальны («Анкор, еще анкор!», «Вдовушка»).

34.Карла Брюллова. Брюллов Карл Павлович (Briullov Karl) (1799-1852), русский художник. Родился Брюллов в обрусевшей немецкой семье скульптора-резчика и живописца миниатюр в Петербурге 12 (23) декабря 1799. В 1809–1821 годах учился в Академии художеств, в частности у живописца исторического жанра Андрея Ивановича Иванова. В 1821 году Карл Брюллов был удостоен золотой медали Академии за картину: "Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского" и права продолжения обучения живописи в Италии за казенный счет. В 1823–1835 годах Брюллов работал в Италии, испытав глубокое воздействие античного, равно как и итальянского ренессансно-барочного искусства. Итальянские картины Брюллова проникнуты чувственной эротичностью ("Итальянский полдень", 1827, Русский музей, Санкт-Петербург; "Вирсавия", 1832, Третьяковская галерея); в этот период окончательно формируется и его дар рисовальщика. Брюллов выступает и как мастер светского портрета, превращая свои образы в миры сияющей, «райской» красоты ("Всадница" или конный портрет Дж. и А.Паччини, 1832, Третьяковская галерея). Стремясь к большим историческим темам, в 1830 году, побывав на месте раскопок древнеримского города, разрушенного извержением Везувия, Брюллов начинает работу над картиной "Последний день Помпеи". Многофигурное трагическое полотно становится в ряд характерных для романтизма «картин-катастроф».

Всадница, Итальянский полдень, Последний день Помпеи, Нарцисс, смотрящий в воду, Гибель Инессы де Кастро, 1834

Картина "Последний день Помпеи" Брюллова (завершенная в 1833 и хранящаяся в Русском музее) производит сенсацию как в России (где о ней восторженно пишут А.С.Пушкин, Н.В.Гоголь, А.И.Герцен и другие писатели), так и за рубежом, где это произведение живописца приветствуют как первый большой международный успех русской живописной школы. На родину в 1835 художник возвращается уже как живой классик. Посетив по пути Грецию и Турцию, Брюллов создает целый ряд поэтических образов Восточного Средиземноморья. Обратившись по предложению императора Николая I к русской истории, Брюллов пишет "Осаду Пскова Стефаном Баторием" (1836–1843, Третьяковская галерея), не сумев, однако же, добиться (несмотря на ряд ярких живописных находок в эскизах) эпической цельности своего итальянского шедевра. По возвращении в Россию важную сферу творчества Брюллова стали составлять монументально-оформительские проекты, где ему удалось органически сочетать таланты декоратора и драматурга (эскизы росписей Пулковской обсерватории, 1839–1845; этюды и наброски ангелов и святых для Исаакиевского собора.

Полным хозяином своих образов Брюллов выступает в портретах. Даже в заказных вещах (вроде портрета "Графини Юлии Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Паччини", около 1842, Русский музей) феерическая пышность колорита и мизансцен выглядит в первую очередь как триумф искусства. Еще более непринужденны, психологически-задушевны по краскам и светотени образы людей искусства (поэта Н.В.Кукольника, 1836; скульптора И.П.Витали, 1837; баснописца И.А.Крылова, 1839; писателя и критика А.Н.Струговщикова, 1840; все работы в Третьяковской галерее), в том числе известный меланхолический автопортрет (1848, там же). Все более слабея от болезни, с 1849 года Брюллов живет на острове Мадейра, а с 1850 – в Италии.

Павел Федотов

Федотов Павел Андреевич (Fedotov Paul) (1815-1852), выдающийся русский живописец и рисовальщик. Родился в Москве 22 июня 1815 года, в приходе Харитония, что в Огородниках. У отца его был маленький деревянный домик; человек он был бедный, семья была большая, и дети, в том числе и Павлуша, росли без особенного надзора. Одиннадцати лет Павла Федотова отдали в кадетский корпус. Способности у мальчика были блестящие, память была необычайная, и начальство могло быть смущено только тем обстоятельством, что на полях учебных тетрадей Федотова находилась целая коллекция портретов учителей и надзирателей, да еще вдобавок в карикатурном виде. Начав военную службу прапорщиком лейб-гвардии гренадерского Финляндского полка в Санкт-Петербурге, Федотов занимается музыкой, переводами с немецкого, пишет эпиграммы на друзей и товарищей, рисует на них карикатуры.

Завтрак аристократа, 1851,Свежий кавалер, 1848,Сватовство майора, 1848, Разборчивая невеста, 1847

Средств у Павла Федотова не было никаких, и тянуться за товарищами в кутежах он не мог. После долгих убеждений Павел Федотов решился оставить службу и с пенсией в 28 рублей 60 копеек в месяц вышел в отставку. Федотов переехал на Васильевский остров, нанял небольшую комнатку от хозяйки и поступил в Академию художеств В Москве Федотовым жилось плохо: оттуда приставали с присылкою денег.

Иван Андреевич Крылов -случайно увидел эскизы Федотова и, несмотря на всю свою лень, даже написал художнику письмо, убеждая оставить навсегда лошадок и солдатиков и приняться за настоящее дело - за жанр. Один художник чутко угадал другого; Федотов поверил баснописцу и бросил Академию. В1847 году живописцем была написана первая картина, которую Федотов решился представить на суд профессоров. Картина эта называлась "Свежий кавалер". Еще более последнее влияние чувствуется на другой картине "Разборчивая невеста", написанной на текст известной басни Крылова.. На выставке 1849 года впервые появились и эти две картины, и новая, гораздо более совершенная - "Сватовство майора". За последнюю картину художника удостоили званием академика. Она принесла художнику и материальное благосостояние, но, к сожалению, судьба слишком поздно пришла на помощь художнику. Напряженная нервная жизнь и несчастная влюбленность содействовали развитию в нем тяжкой психической болезни. Федотова пришлось поместить в лечебницу для душевнобольных, и там он окончил свое грустное существование, изредка посещаемый приятелями, иногда кроткий, иногда буйный.

Хоронили художника 18 ноября 1852 года, и большая толпа почитателей шла за его гробом. Плакал и убивался на его могиле больше всех его денщик Коршунов. После Федотова картин осталось немного. Картина "Вдовушка" представляет повторение оригинала. Павла Андреевича Федотова можно смело поставить во главе нового направления живописи: художник открыл собой тот цикл наших жанристов, который получил особенно яркое развитие в лице Перова и Владимира Маковского.

Русское искусство в первой половине XIX века

романтизм пейзаж русский венецианов

Начало XIX в. в русской живописи стало временем появления такого направления, как романтизм. Именно под его влиянием русская живопись начинает потихоньку отходить от классицистических эстетических законов. Однако русский романтизм получил гораздо большее развитие в литературе, нежели в живописи, и поэтому его стилевые черты определяют менее отчетливо. Прежде всего, художники интересуются наблюдением натуры и реальному ее отображению. Это наиболее полно реализовалось в пейзажах, написанных в эпоху романтизма.

Существовало три формы воплощения принципов романтизма на живописных полотнах: рисование с натуры городских пейзажей, изображение итальянской природы, изображение российской природы.

Красота южных итальянских пейзажей воплотилась в картинах С. Щедрина, М. Лебедева.

В рамках данного направления работали и живописцы, которые в своих картинах отражали красоту русских провинциальных и деревенских пейзажей.

В данном случае в пейзажах присутствуют бытовые мотивы. Одним из представителей этого направления был А.Г. Венецианов. Ему принадлежит идея создания школы живописи, которая была бы независимой от Академии художеств. Там обучались живописи крестьяне и разночинцы. Венецианов учил писать фигуры и пейзаж без предварительной работы с гипсом и без копирования картин, которые были приняты в Академии. Венецианов не стремился изображать в своих картинах идеальную, декоративную природу. На его картинах изображены во всем своем очаровании виды полей, лугов, людей, которые на них трудятся.

К наиболее одаренным ученикам Венецианова следует отнести А. Крылова, А. Тыранова, Г. Сороку. А. Крылов был известен тем, что одним из самых первых написал русский зимний пейзаж.

Параллельно с развитием сельской пейзажной живописи происходит становление жанра провинциального романтического пейзажа. Он тоже не был связан с академической школой. Среди художников можно было найти и крепостных, и бывших иконописцев, и разночинцев. В основном, такие картины писались в усадьбах и провинциальных городах.

Примерно с середины ХIХ века все сильнее начинает ощущаться влияние реализма. Это отразилось и в работах пейзажистов. Очень показательны в этом смысле работы А. Иванова. Ему принадлежит создание нового способа цветового решения, который позволил художникам по-новому изображать окружающую реальность.

Еще одним течением в рамках романтического направления в живописи был маринизм. Его родоначальников был И.К. Айвазовский.

С 40-х годов XIX в. в русской живописи зарождается реализм, основоположником которого стал В.П. Федотов.

Русский реалистический пейзаж прошел в своем развитии несколько этапов. Первый начался в 1851 году, когда на ученической выставке в Московском Училище Живописи и Ваяния появились пейзажи Солова, картин Саврасова и Аммона. Кроме них, активно начинают выставляться Герц, Бочаров, Дубровин и др. Среди достижений первого периода следует упомянуть картины Саврасова «Пейзаж с рыбаком» и «Уборка хлеба».

В 60-е годы начался второй период формирования реалистической пейзажной живописи. Он характеризовался тем, что ряды художников, которые предметом изображения на своих картинах видели родную природу, становились значительно шире, а заинтересованность реалистическим искусством все росла.

Именно во второй период появились творения Карла Павловича Брюллова, Ореста Адамовича Кипренского, Тропинина Василия Андреевича, Алексея Гавриловича Венецианова,

В своем стремлении глубже осмыслить пути и тенденции развития живописи искусствоведы создают целую классификацию направлений и обширную картотеку понятий и терминов, способствующих более четкому и внятному описанию художественного наследия тех или иных мастеров кисти. Но есть личности, не вписывающиеся в общепринятые каноны, выходящие за их рамки, разрушающие сложившиеся стереотипы. Одним из таких талантливейших живописцев был Карл Павлович Брюллов . Главным отличием творчества художника от произведений многих его российских современников следует назвать наднациональный масштаб дарования этого уникального виртуоза живописи.

Потомок прадеда, прибывшего в Россию из Франции, сын живописца-миниатюриста, академика орнаментной скульптуры, Карл Брюллов с первых дней своей жизни находился в атмосфере искренней и глубокой любви к искусству. Его отец старательно развивал в детях умение рисовать и ценить прекрасное. Благодаря домашним занятиям и редкостной одаренности Карл заметно выделялся из общего ряда учеников Академии, в которую он поступил в 1809 году. Его острый глаз, развитое чувство пропорций, точная, выверенная и одновременно пластичная постановка рисунка, подкрепляемая упорной практикой, позволили Карлу далеко обогнать в мастерстве своих однокашников. Брюллов яснее многих других ощущал веяния романтизма, пошатнувшего классические каноны и в российской литературе, и в живописи. Его все больше привлекал жанр портрета, позволяющий передать индивидуальные черты личности, отразить живой характер конкретного человека.

После создания в 1821 году в Петербурге Общества поощрения художников Карл Брюллов и его брат Александр были удостоены высокой чести стать первыми молодыми живописцами, отправленными за счет общественных средств в Европу. Знакомство с лучшими образцами живописи, скульптуры и архитектуры Германии, Австрии, Италии потрясло Карла Павловича. Готические храмы, полотна Тициана, Рафаэля, Леонардо, античные статуи полностью перевернули его представление об изобразительном искусстве. Бурлящая вокруг жизнь все сильнее притягивала живописца своим многообразием и яркостью. За годы работы в Италии он практически полностью отошел от мифологических сюжетов и создал множество образцов великолепной жанровой и портретной живописи.

В стремлении познавать новое Карл Брюллов освоил самые различные изобразительные техники. Его интересовало все - масло и акварель, сепия и рисунок. В свои произведения художник вложил собственное понимание живописи, значительно расширившееся под влиянием знакомства с лучшими образцами работ старых мастеров, тонкое чувство формы, удивительную пластичность. В портретной живописи Брюллов создал отдельное направление, названное впоследствии «романтическим портретом», в котором весьма существенную роль играл цвет, помогавший выразительнее и ярче передать настроение и характер персонажей. Мастерство живописца заметно росло. Если некоторые из ранних его портретов напоминали глянцевые картинки, то в более поздних работах Брюллов достиг глубоко индивидуального подхода, позволившего ему создать широкий ряд уникальных психологических образов ставших подлинными свидетельствами эпохи.

Но главным достижением живописца современники признали его поистине монументальное историческое полотно «Последний день Помпеи». На написание картины, размер которой составил около тридцати квадратных метров, от первого замысла до завершения потребовалось целых шесть лет. Триумф и слава обрушились на мастера. Его произведение с восторгом и благоговением встретили Рим и Париж, прежде чем оно прибыло в Россию следом за своим гениальным создателем, вызванным ранее приказом императора.

В 1821 году Карл Брюллов был удостоен золотой медали Академии за картину: «Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского» и права продолжения обучения живописи в Италии за казенный счет.

В 1823-1835 годах Брюллов работал в Италии, испытав глубокое воздействие античного, равно как и итальянского ренессансно-барочного искусства. Итальянские картины Брюллова проникнуты чувственной эротичностью «Итальянский полдень», «Вирсавия» в этот период окончательно формируется и его дар рисовальщика. Брюллов выступает и как мастер светского портрета, превращая свои образы в миры сияющей, «райской» красоты «Всадница» или конный портрет Дж. и А. Паччини.

1835 художник возвращается уже как живой классик. Посетив по пути Грецию и Турцию, Брюллов создает целый ряд поэтических образов Восточного Средиземноморья. Обратившись по предложению императора Николая I к русской истории, Брюллов пишет «Осаду Пскова Стефаном Баторием», не сумев, однако же, добиться (несмотря на ряд ярких живописных находок в эскизах) эпической цельности своего итальянского шедевра. По возвращении в Россию важную сферу творчества Брюллова стали составлять монументально-оформительские проекты, где ему удалось органически сочетать таланты декоратора и драматурга (эскизы росписей Пулковской обсерватории, 1839-1845; этюды и наброски ангелов и святых для Исаакиевского собора.

Однако на родине далеко не все по достоинству оценили творчество живописца. Вскоре после пышной встречи волна славословий схлынула, и начались трудности. Смелость и новизна в подходе к написанию многих полотен вызывали обилие критических отзывов. Карл Брюллов не смог стать таким же талантливым педагогом Академии, каким он был мастером живописи. Заказ императора на написание исторической картины «Осада Пскова польским королем Стефаном Баторием в 1581 году» остался невыполненным. Тяжелый труд над росписью Исаакиевского собора и петербургский климат подорвали здоровье Карла. У художника обнаружилась серьезная болезнь сердца, вынудившая его отправиться на лечение сначала на остров Мадейру, а затем в Италию. Еще несколько лет он смог время от времени посвящать себя живописи прежде, чем умер в местечке Маршано близ Рима.

Обширнейшее творческое наследие гениального мастера кисти входит в «золотой фонд» во многих музеях и частных коллекциях мира. Его монументальное историческое полотно «Последний день Помпеи», находящееся в Русском музее Санкт-Петербурга, по-прежнему потрясает все новые поколения зрителей своей масштабностью, мастерством исполнения и драматичностью сюжета.

Орест Адамович Кипренский (1782-1836) - знаменитый русский художник-портретист, исторический живописец, график; представитель романтизма. Родился в деревне Нежново. Орест Адамович, как полагают, был внебрачным сыном помещика А.С. Дьяконова. Его мать, крепостную крестьянку, через год после рождения сына выдали замуж за дворового Адама Швальбе. Фамилия Кипренский была выдумана. Дьяконов, заботясь о мальчике, дал ему вольную и шести лет определил в петербургскую Академию художеств. Одарённость Ореста стала ясна уже в первые ученические годы. Через девять лет Кипренский был определён в класс исторической живописи, куда попадали наиболее одарённые ученики, а в 1805 году, подводя итоги своего обучения картиной «Дмитрий Донской по одержании победы над Мамаем», получил золотую медаль и право на заграничную поездку для дальнейшего обучения. Но в Европе шли наполеоновские войны, и поездка была отложена на неопределённое время.

Главным в творчестве Ореста Кипренского, несмотря на «историческое» образование, стал портрет. Ещё за год до окончания академии он создал произведение, определившее его дальнейший творческий путь, - это был портрет названного отца Адама Швальбе.

В 1809 году художник создаёт один из лучших детских портретов в истории русского искусства - А.А. Челищева.

«Облик его проникнут внутренней романтической взволнованностью: он смотрит на мир широко открытыми глазами ребёнка, для которого еще «новы все впечатленья бытия». В то же время, несмотря на его детский возраст, в нём угадывается внутренняя жизнь, обещающая в будущем глубокую натуру…» (М.М. Ракова).

27 февраля 1809 года Кипренский уехал в Москву. Атмосфера творческих споров, знакомство с художественной галерей Ф.В. Растопчина, насчитывавшей до трёхсот экспонатов (среди которых картины Веласкеса, Ван Дейка, Тинторетто), предвоенные настроения русского общества имели огромное влияние на живописца. Жизнь Кипренского в Москве, богатая впечатлениями, способствовала интенсивной художественной деятельности. К лучшим портретам довоенного периода относятся портреты Е.П. Растопчиной и Е.Д. Давыдова. Портреты военного периода отражают патриотический дух, владевший русскими людьми в эпоху бед и ненастья. Такими полотнами стали портреты А.Р. Томилова и П.А. Оленина, написанные в 1813 году. «В бурке, в фуражке ополченца изображён Алексей Романович Томилов, просвещённейший человек своего времени, любитель искусств, близкий друг многих художников…

Обаяние чистоты, пылкой юности привлекает нас в прекрасном портрете Петра Алексеевича Оленина…Небрежно наброшена на плечи шинель, одета набок бескозырка…» (Е.Н. Чижикова).

В 1816 году академия сочла возможным возобновить заграничные командировки художников. Одним из первых за границу отправился Кипренский, он поселился в Риме и уже через год прислал свою первую заграничную картину «Итальянский садовник», встреченную в Петербурге как новый неожиданный и радующий поворот в творчестве художника.

Подкупала прежде всего блестящая, законченная эмалевая живопись, сильный свет и весь облик юноши с выражением неги и некоторой томности на красивом лице. Казалось, в картине Кипренского, заключена сама благодатная атмосфера Италии. Итальянские годы Кипренского - годы его наивысшей славы. В России его имя обратилось в легенду, итальянцам он открыл Россию, его завалили заказами. Он удостоился неслыханной чести, знаменитая галерея Уффици во Флоренции заказала ему автопортрет.

По возвращении в Москву в 1827 году художник создал знаменитый портрет А.С. Пушкина. «Лучший портрет моего сына есть тот, который написан Кипренским» - так считал отец поэта. Русский писатель А.И. Гончаров вспоминал: «Лицо его - матовое, суженное книзу, с русыми бакенами и обильными кудрями волос - врезалось в мою память и доказало мне впоследствии, как верно изобразил его Кипренский на известном портрете». «Себя как в зеркале я вижу, Но это зеркало мне льстит…», написал Пушкин в благодарственном послании художнику.

Осенью 1837 года Кипренского не стало. Имя Кипренского открывает яркую страницу в истории изобразительного искусства России. Искусство его несёт печать нарождавшегося века, века мятущегося и тревожного. В личности Кипренского, в его художественных идеях воплотились многие черты пушкинской эпохи. Постигая творческий путь Кипренского, мы приближаемся к верному восприятию истории русской культуры в целом. Человечность искусства Кипренского, этическое начало, присущее его творчеству, роднят художника со всем русским искусством XIX века и делают его одним из первых в плеяде блестящих мастеров России.

Тропинин Василий Андреевич (1776 г. - 1857 г.) - выдающийся русский художник золотого века, мастер портретной живописи. Академик живописи.

Василий Андреевич родился 19 марта в селе Карповка Новгородской губернии. Его отец крепостной крестьянин графа А.С. Миниха за честную службу получил личную вольную. Благодаря хлопотам родителя мальчик четыре года учился в начальных классах Новгородской народной школы, где и увлекся рисованием.

Вскоре будущий художник в числе приданного дочери Миниха стал крепостным графа Моркова И.И. Новый хозяин направил Василия под присмотр двоюродного брата А.И. Моркова в Петербург обучаться кондитерскому ремеслу.

Алексей Иванович Морков сыграл в судьбе молодого человека значительную роль. Увидев картины Тропинина, он сумел убедить кузена отправить начинающего кондитера учиться в Академию художеств. Здесь Василий Андреевич провел шесть лет (1798-1804), однако обучение Тропинин не закончил. Хозяин отозвал его в свое новое поместье на Украину.

Следующий период вплоть до 1823 года Тропинин жил попеременно в украинском поместье и графском доме Моркова в Москве. Он выполнял обязанности крепостного живописца и одновременно дворового человека. Картины Тропинина этого периода несут отпечаток сентиментализма, обусловленный влиянием В.Л. Боровиковского и Ж.Б. Греза. Тематический диапазон творчества достаточно широк: многочисленные портреты, иконы для поместной церкви, жанровые сцены, представлявшие быт украинских крестьян.

В 1823 году граф Морков, уступив давлению передовой части общества, предоставил Тропинину вольную. Освободившись от крепостной зависимости, Василий Андреевич решил получить статус профессионального живописца. Тропинин представил на суд Совета Академии художеств свои лучшие картины (Нищий старик, Портрет гравера Е.О. Скотникова, Кружевница), и получил звание «назначенного в академики». В 1824 году за мужской портрет К.А. Леберехта ему было жаловано звание академика портретной живописи.

Затем художник поселился в Москве. После академической выставки он приобрел известность, круг его клиентов расширился. Тропинин писал портреты московских дворян, купцов, деятелей культуры, представителей простонародья. Вскоре Тропинин приобрел славу лучшего портретиста Москвы.

В творчестве Тропинина периода расцвета (1820-1830-е годы) наблюдается эволюция живописной манеры: колорит произведений приобретает насыщенность, форма становится более объемной. Усиливаются жанровые мотивы, характерные для всего искусства Тропинина. С годами начинают появляться реалистические тенденции, наиболее отчетливо проявившиеся на закате творчества художника.

Тропинин активно занимался общественной деятельностью. Он был почетным членом Московского художественного общества (с 1843 года), имел непосредственное отношение к созданию Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

Тропинин Василий Андреевич своим творчеством оказал огромное влияние на формирование московской школы живописи, способствовал развитию реалистических тенденций в русском художественном искусстве.

Все его работы были пронизаны доброжелательностью и внутренней красотой героев. История этого художника - история настоящего человека, который своим трудом и талантом прошел долгий нелегкий путь от крепостного крестьянина до великого гениального художника. По своему характеру и духу Тропинин был очень добрым, отзывчивым и чувствительным человеком, что полностью отражается в его многочисленных работах. Начинающий талант Василий Тропинин рисовал портреты людей только в хорошем расположении духа, в самые лучшие моменты их жизни, поскольку сам был мнения, что настоящий портрет должен показывать только лучшие достоинства человека, а не его недостатки.

Василий Тропинин был признан настоящим мастером реалистического и романтического портрета, он создатель нового жанра портрета - «домашний» портрет. Еще с самого начала своего творческого пути Тропинин интересовался бытовым жанром, писал простых людей, создал огромное количество этюдов с лицами украинских крестьян, купцов, помещиков. Наиболее известные работы художника-портретиста - «Женщина в окне», «Портрет С.М. Голицына», «Гитарист», «Кружевница», «Автопортрет с кистями и палитрой на фоне окна с видом на Кремль».

За «Портрет медальера К.А. Леберехта» Тропинин был удостоен звания Академика портретной живописи. Кроме того, его работы были отмечены и Московским художественным обществом, которое с глубоким уважением к таланту Тропинина, избрало художника почетным членом. Его ранние и поздние работы глубоко пронизаны правдивостью и четкостью изображения, красотой линий и образов. Художник писал людей такими, какие они есть, умел подчеркнуть достоинство самой личности. Василий Тропинин стал практически последним художником 18 века, который сумел сохранить верность любимому делу, даже в самые сложные периоды своей жизни.

Алексей Гаврилович Венецианов - замечательный художник первой половины XIX века, сказавший новое слово в искусстве своего времени, тонкий живописец, талантливый педагог. Он прочно утвердил в живописи тему крестьянского труда, воспел личность русского крестьянина, показал его человеческое достоинство и нравственную красоту.

Творческий путь Алексея Гавриловича был непохож на путь его собратьев по искусству, проходивших длительный срок обучения в стенах Академии художеств. Родился Венецианов в Москве, в 1780 году, в семье купца, разводившего для продажи плодовые кустарники и деревья. Неизвестно, кто были первые учителя будущего художника. «Я смело завоевывал свое любимое занятие», - писал Венецианов; он с увлечением занимался рисованием самостоятельно. Образование Венецианов получил в одном из московских пансионов, затем служил чертежником-землемером.

В начале XIX века Венецианов переехал в Петербург, где уже принимал заказы на исполнение портретов. В Петербурге он брал уроки у крупнейшего портретиста того времени В.Л. Боровиковского; влияние творчества последнего весьма ощутимо в образном строе ряда картин Венецианова. Много времени начинающий художник отдавал копированию картин знаменитых мастеров в Эрмитаже. В 1807 году Венецианов поступил на службу в Департамент почт и вскоре предпринял издание сатирического журнала «Журнал карикатур на 1808 год в лицах», состоящего из листов с гравюрами. Но это издание в самом начале навлекло на себя гнев Александра I. Третий по счету лист «Вельможа» был настолько остросатирическим, что правительство в день его выхода запретило дальнейшее издание журнала, а вышедшие листы были изъяты. К жанру карикатуры Венецианов обратился еще раз в эпоху войны 1812 года.

В 1811 году Венецианов получил признание Академии как портретист. За представленный «Автопортрет» ему было присуждено звание назначенного. Образ художника-труженика с палитрой и кистью в руке, пристально вглядывающегося в натуру, передает поэзию сосредоточенного, вдумчивого труда. В том же году Венецианов получил звание академика за портрет инспектора Академии художеств К.И. Головачевского с тремя воспитанниками Академии.

Среди галереи портретов конца 1810-х - начала 1820-х годов привлекает своей тонкостью небольшой портрет В.С. Путятиной. Задумчивая хрупкая девушка с книгой в руке, в свободном легком платье, сидящая на фоне пейзажа, кажется такой естественной, погруженной в свой мир, как будто зритель застал ее случайно. По настроению этот портрет напоминает портреты В.Л. Боровиковского, но в нем больше душевной интимности, простоты.

В середине 1810-х годов Венецианов покупает имение в Тверской губернии с селами Сафонково и Трониха, выходит в отставку и в дальнейшем большую часть времени живет в деревне. Здесь начался новый период в творчестве художника. Перед ним открылся совсем другой мир - мир крестьянской жизни и русской природы. Интерес к жизни народа у Венецианова не случаен. Война 1812 года, с одной стороны, укрепила национальное самосознание, «была великою эпохою в жизни России», по выражению Белинского, показала, какими силами обладает русский народ. С другой стороны, со всей остротой после войны встал вопрос о судьбе русского крестьянина, отдававшего свою жизнь за отечество, но оставшегося в подневольном, рабском положении. Этот вопрос занимал центральное место и в преобразовательных планах декабристов.

Наблюдая труд и быт крестьян, наблюдая природу, художник приходит к выводу о необходимости работать на натуре, писать «простейшие предметы русские», писать простых людей, правдиво передавая их взаимосвязь друг с другом и окружающей средой.

О значительности будничного дела повествует картина «Чистка свеклы». Неторопливо и серьезно крестьяне занимаются своей работой. По существу перед нами групповой портрет. Художник ничего не приукрашивает, но мягкая живописность, нежные и тонко сгармонированные тона придают этой пастели своеобразную красоту.

В первых работах нового периода Венецианов стремится овладеть перспективой интерьера, реальными соотношениями света и тени в нем. В картине «Гумно» с особой отчетливостью проявились его поиски в этом направлении. С наивной непосредственностью художник стремится запечатлеть все, что видит перед собой: большое крытое помещение для молотьбы, крестьян, находящихся на первом плане и в глубине, рабочих лошадей, различные орудия крестьянского труда. Художник не сумел связать фигуры одним действием, он ставил перед собой другую задачу: добиться предельной верности натуре. По заказу художника внутреннюю стену сарая выпилили. Это было сделано ради точности его наблюдений. С иллюзорной четкостью переданы в картине линейные сокращения бревен и досок, пространственные планы, отмеченные как масштабным соотношением фигур и предметов, так и чередованием света и тени.

В картине «Утро помещицы» Венецианов показывает поэзию обыденного человеческого быта, его скромной обстановки. Изображена часть комнаты небогатого дома. Сидящая у стола молодая помещица принимает работу у пришедших крестьянок. Льющийся из окна дневной свет мягко окутывает фигуру женщин, отражается на поверхности стола, шкафа, на полу. Облик крестьянок полон спокойствия и достоинства: крепкие, статные фигуры, здоровые лица, сильные руки, красивые одежды - красные и темно-синие сарафаны, белые кисейные рубахи. Привлекают в картине удивительная живописность сочетаний насыщенных тонов, свобода самого мазка.

К первым жанровым картинам Венецианова, в которых большое внимание уделено пейзажу, можно отнести небольшое полотно «На пашне. Весна». Красочные созвучия заставляют нас ощутить весенний воздух, почувствовать радость пробуждения природы. Мы любуемся прекрасным, идеальным в представлении художника, обликом молодой труженицы, ее грациозной фигурой, легкой поступью, нарядным розовым сарафаном. Ее ласковая материнская улыбка обращена к ребенку, играющему с цветами. С каким глубоким уважением и поэзией написал художник человека труда, крепостную крестьянку! Пленителен тонкий по настроению пейзаж: простор свежевспаханного поля, нежная травка, прозрачная зелень листвы, легкие облачка, высокое небо.

Столь же поэтичен и одухотворен скромный пейзаж в известной картине «Спящий пастушок». Блестит среди трав небольшая тихая речка Ворожба, сидит мальчик с удочкой, идет за рекой крестьянка с коромыслом, желтеют поля с перелесками, и среди них возвышаются тонкие ели, виден сарай, крытый соломой, на горизонте холмы - типичная русская равнина с ее мягкостью красок, задумчивой прелестью. В фигуре спящего мальчика разлито глубокое спокойствие, в ней как бы сосредоточилась мирная тишина лесов и полей.

В органическом согласии находится человек с природой в картине «На жатве. Лето»; крестьянка в алом сарафане сидит на высоком деревянном помосте и кормит ребенка, рядом с ней - отложенный на время серп. Густой алый цвет одежды красиво рисуется на золотистом фоне спелой ржи. Уходит вглубь равнина, чередуются полосы то освещенной, то затененной земли, отражая «тихую игру облаков на земле». Мерный плавный ритм линий и живописных пятен, обобщенный силуэт женской фигуры рождают ощущение эпического спокойствия, величавости извечных жизненных и трудовых процессов.

Художник создал целую галерею крестьянских образов: все изображенные были ему хорошо знакомы, он видел и наблюдал их каждый день. Все они разные по облику и характеру, но во всех них Венецианов прежде всего раскрывает моральную чистоту, заставляет почувствовать истинное человеческое достоинство.

Лирически проникновенна «Крестьянка с васильками». Задумчивое лицо девушки прекрасно своей душевной ясностью. Чуть опущенные плечи говорят об усталости, большие рабочие руки лежат на охапке пушистых васильков. Синие, желтовато-золотистые тона сарафана, передника, повязки на голове сливаются в тихую гармонию красок, напоминая цветовые сочетания в природе.

Другая по характеру «Девушка с бураком» - энергичен поворот головы молодой красавицы. Типично русское лицо с правильными чертами исполнено деловитой озабоченности: сдвинуты брови, сжаты губы, взгляд пристален. Красное звучное пятно платка подчеркивает темпераментность лица.

Горячо, с большим увлечением написан крестьянский мальчик «Захарка». Серовато-коричневые тона, разнообразие оттенков создают богатую живописную игру. Живо схвачен пытливый детский взгляд из-под насупленных бровей. Этот мальчик настоящий работник: рукой в огромной рукавице он придерживает топор на плече. Весь облик Захарки выражает полноту жизненных сил и очарование детства.

С необычайной живописной свободой, в горячих коричневых тонах исполнена «Голова крестьянина». Выражение одухотворенного мыслью лица говорит о большом жизненном опыте, душевной силе. Губы сложены в чуть заметную горестную улыбку.

Художник не раз обращался к теме жатвы, к образам жнецов. В картине «Жнецы» девушка и мальчик (очень похожий на Захарку) изображены среди ржи с серпами в руках. Прислонившись к плечу девушки, мальчик любуется бабочками, севшими на ее руку. В отношениях этих людей, связанных трудом, угадывается братская привязанность и теплота. Их сердца открыты добру и красоте. Здесь, как и в других работах, Венецианов создает национальные типы, несущие в себе глубоко нравственное начало.

Убедительный бытовой образ найден в полотне «Девушка с теленком», отличающийся сочной живописью и любовной проработкой деталей. Осязательно, материально переданы фактуры одежды (темно-красного сарафана, цветных бус на шее, повязки на голове, белых рукавов рубашки), жестковатой шерстки теленка, деревянной миски с едой. От этого полотна веет домашним уютом. Скуластое лицо девушки привлекает красотой естественности, внутренней силы и застенчивости.

Благородство старости передает художник в портретной работе старушки с клюкой. В ее позе, согбенной спине, морщинистом лице читаешь повесть о долгой и трудной жизни. Дряхлой рукой она сжимает клюку. Однако в этом нет натуралистической подчеркнутости. Все спаяно внутренней просветленностью. И светлый колорит портрета способствует этому впечатлению. Из среды таких удивительных женщин-крестьянок вышли воспетые А.С. Пушкиным няня Арина Родионовна и «Филиппьевна седая», няня Лариных. Несмотря на всю горечь подневольной жизни, они сохранили сердечную теплоту и ласку, душевную мудрость.

К этому же периоду творчества, к тридцатым годам, относится портрет дочерей художника, Александры и Фелицаты, которых Венецианов нежно любил. В двойном портрете он передал их девичье обаяние, миловидность, чистоту, типично русские черты лица. Старшая, Александра, художница, изображена с палитрой и кистями. В облике дочерей передана та же спокойная ясность, которая присуща всему искусству мастера.

Впервые произведения Венецианова появились на публичной выставке в Академии художеств в 1824 году. Сами названия картин говорили о характере творчества художника: «Крестьянский мальчик, проливший бурак с молоком» («Вот-те и батькин обед!»), «Крестьянка, занимающаяся чесанием волны», «Крестьянка с грибами в лесу», «Мальчик с собакой» и так далее. В академическом искусстве господствовала тогда историческая живопись с ее культом героя. На выставках Академии посетители привыкли видеть большие композиции с полными драматического действия сценами из мифологии, истории и библии. Венецианов же в своих полотнах предложил совершенно новые для русского искусства сюжеты, применил новый метод работы. «Наконец мы дождались художника, который прекрасный талант свой обратил на изображение одного отечественного, на представление предметов, его окружающих, близких к его сердцу и нашему - и совершенно успел в этом…» - писал издатель журнала «Отечественные записки» Павел Свиньин.

Общественное значение деятельности Венецианова перерастает рамки художественной жизни. Известно, какое горячее участие принимал Венецианов (вместе с К.П. Брюлловым, В.А. Жуковским и другими передовыми людьми) в освобождении от крепостной зависимости великого украинского поэта Тараса Григорьевича Шевченко. Он взял на себя самую трудную часть дела - переговоры с владельцем поэта о денежной стороне. «Ум и доброта привлекали к нему каждого, у него собиралось самое образованное общество художников и литераторов, все находили удовольствие проводить у него вечера. Гоголь, Гребенка, Воейков, Краевский и другие бывали у него нередко. Жуковский, Гнедич, Крылов, Козлов, Пушкин также были с ним хорошо знакомы и бывали иногда у него. О художниках говорить нечего…» - таким предстает художник в воспоминаниях его дочери.

Огромна роль Венецианова в формировании нового направления жанровой школы национальной живописи. В селе Сафонково художник организовал школу, где учил рисованию и живописи учеников, взятых преимущественно из крепостных. Всего там перебывало около 70 человек. Многие из учеников у него жили, многим он помог освободиться от крепостной зависимости. Художника интересовало каждое дарование, малейшее проявление способности к рисованию и живописи. Впоследствии ученики с сердечной теплотой вспоминали о своем учителе. Все свои средства Венецианов вложил в школу и в конце жизни остался без состояния. Учеников он учил по своему методу работы с натуры. Заставлял вначале писать геометрические фигуры, затем предметы из окружающей жизни, а потом сцены из жизни крестьян. Одна из основных задач, которые ставил художник перед учениками, - овладение перспективой. Среди учеников Венецианова - А. Алексеев, А. Денисов, С. Зарянко, Е. Крендовский, Н. Крылов, Г. Михайлов, К. Зеленцов, Ф. Славянский, JI. Плахов, А. Тыранов, Г. Сорока (Васильев) и другие. Любимый ученик Венецианова - Григорий Сорока, человек с трагической судьбой, автор поэтичнейших пейзажей. Несмотря на все старания, Венецианов так и не смог добиться его освобождения от крепостной зависимости. Ученики продолжали дело учителя, развивали дальше бытовую тематику в русской живописи. В их работах проявляются новые персонажи, городской типаж - ремесленники, мастеровые. Творчество этих художников образовало направление в русском искусстве, получившее название школы Венецианова.

Значителен вклад Венецианова в распространение на Руси техники литографии. Художника привлекали возможности литографии как наиболее демократического, доступного широкому кругу людей искусства. Радея о просвещении народа, стремясь к популяризации истории родной страны, Венецианов в конце 1810-х годов предполагал издать литографированные портреты исторических деятелей России с жизнеописаниями каждого из них. Изданием литографий занималось основанное в 1820 году в Петербурге Общество поощрения художников. Венецианов стал деятельным членом общества. Первые литографии были сделаны с его картин. Наиболее известны работы А. Тыранова, ученика Венецианова, с картин учителя - «Васютка с Максихи», «Пелагея», «Параня со Сливнева», «Капитошка». Сам Венецианов исполнил в 1834 году в технике литографии портрет Н.В. Гоголя. В 1830-е - 1840-е годы Венецианову приходится вести борьбу с Академией художеств за признание своего метода работы. Эта борьба имела глубоко идейный принципиальный характер. Академия не признавала бытовой живописи, считала ее низшим жанром. Венецианов боролся за утверждение национального характера в отечественном искусстве. Он рассматривал свою деятельность как общественный долг. Обладая широтой воззрений, Венецианов неразрывно связывал искусство с просветительством, верил в то, что оно призвано содействовать просвещению людей. «Искусство рисования и самая живопись суть не что иное, как орудия, содействующие… просвещению народа», - писал он. Чтобы расширить сферу своей педагогической деятельности, утвердить свой метод работы на натуре, Венецианов стремился попасть в число преподавателей Академии и с этой целью участвовал в конкурсе на историческую картину из эпохи Петра I, организованном в 1837 году. Он написал большое полотно «Петр Великий. Основание Санкт-Петербурга». Однако премии не получил. Академия художеств, чувствуя чуждое ей направление, старалась не допустить Венецианова в свои стены.

Трагическая случайность прервала в 1847 году деятельность Алексея Гавриловича Венецианова: он погиб при поездке на санях.

Задачи, которые ставил перед собой художник, выдвигались всем ходом развития передовой культуры России, были связаны с формированием в ней принципов народности и реализма. В творчестве Венецианова мы не найдем раскрытия социальных противоречий, но интерес к жизни народа, изображение национальных сюжетов говорят о прогрессивности его искусства. Оно было рождено освободительными идеями своего времени.

Искусство Венецианова неувядаемо и сейчас: в нем выражена глубокая вера в гармоническую личность человека, в красоту его труда. Наследие Венецианова стало неотъемлемой частью русской художественной культуры.

Русский художник Иванов Александр Андреевич родился в семье художника А.И. Иванова 28 июля 1806 года. Пристрастие к рисованию у Александра Иванова проявилось в раннем детстве, да и не удивительно все таки сын профессора живописи. Соответственно отец, заметив у сына тягу к рисованию, помогает ему в познании простейших основ рисунка и живописной грамоты и в 1817 году способствует неофициальному посещению сына живописных уроков в академии художеств. Под руководством профессора Егорова Ф.Е. Иванов совершенствует свои академические познания и в 1824 году за успехи живописной грамоты его награждают серебряными медалями а за картину «Приам испрашивает у Ахиллеса труп Гектора» молодого мастера награждают малой золотой медалью. Окрыленный такими успехами чувствуя свой дар, молодой художник много работает учитывая ошибки и недочеты развивая свой талант и не напрасно в 1827 он создает картину «Иосиф в темнице истолковывает сны царедворцам фараона», за это произведение не смотря на критику руководства академии к некоторым деталям работы художника, Иванова награждают большой золотой медалью.

К 1829 году Иванов по заданию академии пишет картину «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры», правда за это произведение руководство академии не удостоило молодого художника пенсионной поездкой за границу, хотя за подобные работы многие художники академии незамедлительно получали такое право. Таким образом в укор не всегда честным академическим правилам работу Иванова положительно оценили в тогдашнем союзе поощрения молодых и отличившихся художников, где были выделены средства для поездки Иванова за границу для последующего обучения живописи у европейский мастеров. Не ожидавший такого положительного исхода Александр Иванов в 1830 году едет за границу, посещая европейские страны, такие, как Австрию и Германию много открывает для своих познаний, но более всего художник был очарован Италией, где он надолго остановился, жил и работал, восхищался полотнами Микеланджело, в частности пораженный произведением Сикстинской капеллы и Сотворения мира копировал их. Изучая работы знаменитых художников Европы, он мечтал о создании своих собственных полномасштабных работах на библейскую тематику. попутно изучая основы библии.

В 1834 году Иванов создает картину «Явление Иисуса Христа Марии Магдалине», написанная исконно в академическом стиле, работа была хорошо оценена современниками как в Италии, так и в России, где в 1836 году руководство академии было вынуждено присвоить начинающему набирать известность Иванову почетное звание академика. Такой успех воодушевлял художника на создание его давней мечты крупно масштабном произведении на библейскую тему.

В 1837 году Иванов приступил к созданию картины "Явление Христа народу", но работа была соответственно не из легких и продолжалась два десятилетия. Мало кто из художников после картин Карла Брюллова решался на подобные подвиги по созданию таких массовых и крупномасштабных живописных произведений. За время работы художником создано огромное множество этюдов с головами персонажей картины, среди которых Иванов даже изобразил своего друга писателя Гоголя. Смысл всей этой работы олицетворял всю сущность библейской истины, во время крещения народа у реки Иордан Святым Иоаном Крестителем и вдруг группа людей среди которых были еще не совсем верующие совершающие ритуал омовения оказываются в благоговейном изумлении и удивлении, Святой Иоан указывает рукой на Явление Миссии, Воскресший Иисус Христос спаситель и защитник рода человеческого, надежда всех обездоленных приближается к народу.

Известно, что прославленный живописец посвятил свою жизнь работе над исторической композицией «Явление Христа народу». Но параллельно мастер работал и над другими картинами и часто обращался к жанру пейзажа. Если бы из всех его произведений сохранились только пейзажи, одно это могло бы завоевать ему славу и почетное место в истории русского и мирового искусства.

К портрету и бытовому жанру Иванов, по его словам, питал неприязнь, но пейзаж, хотя и стоял в глазах художника ниже исторической живописи, пользовался его неизменным расположением. Объясняется это не только тем, что в пейзаже Иванов видел вспомогательное средство в работе над своей картиной. Выполняя этюды, Иванов часто забывал обо всем на свете и в общении с природой находил отраду.

Природа Италии поразила художника с первого взгляда. Говоря о своих впечатлениях, он после Рафаэля сразу же называет «окрестную природу Рима». Впрочем, долгое время она не поддавалась воспроизведению. Художник объяснял это тем, что в Академии не учили писать пейзажи. Поэтому он сначала ограничивался скромными карандашными зарисовками.

Серьезно Иванов начал работать над пейзажем, когда принялся за картину «Явление Христа народу». Уже в конце 1836 г. он пишет пейзажи в окрестностях Рима. Его внимание привлек город Субиако в Сабинских горах. «Пирамидальный городок», - называл его художник С. Щедрин.

В этюде «Субиако» Ивановым представлены домики, башни и церкви на фоне далеких гор, поросших редкой зеленью. Кубической формы белые домики громоздятся один над другим по крутому откосу холма, дальние отлогие горы следуют за ними, горизонтальная светлая стена на первом плане придает композиции устойчивость. Все озарено золотистым светом: чуть желтоватые стены домов, розовые черепичные крыши, почти такие же розовато-сиреневые горы составляют общий теплый фон.

С этого времени Иванов решил углубиться в изучение природы, которая должна была составить место действия в его исторической картине. До 1842 г., когда болезнь глаз временно приостановила работу, он успел выполнить множество пейзажных работ. Особенно много сил было положено им на изучение деревьев. В местечке Аричча, неподалеку от Альбано, находился огромный парк. Он был посажен в XVII в, но в отличие от других парков был сильно запущен. Вековые дубы его разрослись, дорожки заросли травой и кустарником, и в некоторых местах растительность образовала непроходимую чащу.

Иванову удалось проникнуть в его заколдованное царство. Страстно и самозабвенно он принялся за изучение растительного мира, о котором имел недостаточно ясное представление. Терпеливо и настойчиво, забравшись в самую глушь парка, Иванов принялся распутывать на своем холсте невообразимый клубок растений. В его этюдах можно увидеть, как могучие стволы выбрасывают ветви, от которых отделяются ветки и завершаются листьями. Вьющиеся растения обвивают и опутывают деревья, перебрасываются с ветки на ветку, разросшиеся кусты прячут корни, высокая трава закрывает кусты - Иванов тщательным образом разбирал все это по частям.

Детально переданы каждая веточка, каждый листик, но сохранено общее впечатление о дереве как о чем-то целом. В могучих деревьях парка Киджи художник замечает плавный ритм в наклонах стволов, в круглящихся кронах. Ясно различимы отдельные деревья, и вместе с тем несколько деревьев составляют группы, все они сливаются в лесной массив.

В одних этюдах на первом плане заметна детализация, и наоборот, деревья, которые виднеются вдали, написаны легко и широко. В других передано, как огромное дерево чуть склоняет макушку, с него свешиваются обнаженные корни плюща. И как им навстречу тянутся кверху кустарники. После того как мастер решил представить фигуру Мессии на фоне Сирийских гор, перед ним возникает новая задача - изучение далей, пространства и гор, т.е. того, что должно было составить третий план в картине «Явление Христа народу».

К пейзажным панорамам Иванова относятся такие этюды маслом, как «Понтийские болота» и «Монтесавелли». Иванов и в этих произведениях не отказывается от обычной точности: на переднем плане в деревьях и кустарниках ясно обозначена каждая веточка, не менее четко передан и второй план. Панорамы в живописи Иванова имеют глубокое философское значение. Они отвечают потребностям человека хоть мысленно отойти на расстояние от той природы, среди которой он живет, взглянуть на нее сверху, уловить общие закономерности, воспринять ее как бы глазом историка, который в далеком прошлом не замечает мелких подробностей.

Больше всего затянулись подготовительные этюды Иванова к первому плану «Явление Христа народу» - этюды каменистого берега. Иванов придает почве и первому плану большое значение. Мастер знал, что от выполнения первого плана зависит то, чтобы каждая часть пейзажа встала на свое место. Он выбирает исключительно низкую точку обзора, чтобы выявились все неровности земли. Как и при рисовании деревьев, не увлекаясь подробностями, Иванов воспроизводит камни желтые в воде, розовые у края и голубые наверху.

Великолепно написана чернильно-черная вода, отражающая синеву неба в этюде «Вода и камни под Палаццуоло» В другом этюде изображена группа полузакрытых наслоениями почвы и заросших мхом камней. Трудно представить себе пейзажный мотив менее занимательный сам по себе, чем в этой работе Иванова. Сколько художников до него проходило мимо подобных мест, не удостоив их вниманием.

Одновременно с изучением отдельных слагаемых пейзажа - деревьев и почвы, Иванов подвергает аналитическому изучению освещение, воздушную среду, краски природы. Такому известному явлению как изменение одного и того же мотива в разное время дня, большинство живописцев тогда не придавало значения. Иванов же сосредоточивает на нем свое внимание.

В альбомах он тщательно отмечает, когда выполнен этюд: утром, в полдень или вечером. В серии этюдов маслом ему удается передать предрассветный час, когда горы погружены во мрак и только на небе загораются облака, утренний сиренево-молочный туман, окутывающий дальние предметы, наконец, ослепительно палящее полуденное солнце.

Художник открывает прелесть темно-зеленой лесной чащи, сквозь которую едва проглядывают просветы неба. В окрестностях Парижа он приходит на одно и то же место и пишет при разном освещении равнину, завершенную грядой далеких гор. В его этюдах можно видеть, как тихо гаснет вечер, золотятся далекие рощи, как небо становится холодным, темнеют горы, чаща зелени наливается лиловыми тенями, наконец, то, как горы сливаются с зеленью долины и над ними вспыхивают золотистые облачка.

Иванов написал этот пейзаж в годы своей полной творческой зрелости. Аппиева дорога в Италии, построенная еще римлянами в античные времена, идет по бескрайней равнине. Это древний путь, по которому когда-то проходили неисчислимые римские легионы, вдоль которого стояли кресты с распятыми рабами и христианскими мучениками. Эта местность - а изображена здесь римская Кампанья - свидетель истории человечества. Вдоль дороги - гробницы первых христиан, еле намеченные, почти бесплотные, а на горизонте - едва заметной точкой видится купол римского собора Святого Петра. Все ничтожно, все превращается в тень перед лицом неотвратимого времени. Этот пейзаж - единственный, который сам Иванов назвал «историческим».

По словам А.И. Герцена «всегда печальная, всегда угрюмая, Кампанья имеет одну торжественную минуту - захождение солнца; тут она соперничает с морем… Кто не был в Италии, тот не знает, что такое цвет, освещение… Печальная Кампанья неразрывно связана с развалинами древнего Рима; они дополняют друг друга. Что это, в самом деле, за невероятное величие в этих камнях. Недаром на поклонение этим развалинам является каждое поколение со всех концов образованного мира».

Для художника-философа Иванова природа - это особая вселенная, живущая по собственным законам. Каждый предмет в ней существует в бесконечном пространстве, связан с ней незримыми нитями. На картине изображена ветка дерева на фоне гор, но кажется, что в ней заключен целый мир. По словам философа А. Гердера, «перед лицом природы самой в себе совершенной, малейшая пылинка имеет такое же достоинство, как и неизмеримое целое».

На фоне синих далей трепещет ветка дерева, пронизанная золотыми лучами солнца. Сучья изгибаются, сплетаясь в красивый узел. Листья написаны по-разному: одни переданы пятном, другие - контуром. В этом пейзажном этюде проявился в полной мере колористический дар художника. Одними лишь тончайшими градациями цвета - зеленоватого, голубовато-фиолетового, желтоватого, он передает огромное воздушное пространство, отделяющее ветку от беспредельного мира. На ярко-синей горе художник подмечает несколько зеленоватых полос, которые перекликаются с зелеными листьями ветки, отдельные листочки в тени также ярко-голубые и это протягивает нити, соединяет первый план картины с дальним.

Иванов писал пейзажи в силу искреннего убеждения, что без них «никак нельзя» и они пойдут на пользу его большой картине. Но его пейзажи выходят за рамки вспомогательной роли и имеют самостоятельную ценность. Художник настолько отвлекался от своей главной темы, что многие из этюдов, в сущности, не имеют к ней никакого отношения. Иванов, который считал себя «историческим» живописцем, незаметно для себя становился подлинным пейзажистом.

Заключение

Возвращаясь мысленно к всего русского искусства первой половины XIX века в целом, мы замечаем во всех его разнообразных проявлениях общие черты. Большинство художников этого времени ищут в жизни главным образом героическое, прекрасное, поэтическое. Это стремление было своеобразной формой протеста, направленного против уродливых форм современной им общественной жизни. С портретов, написанных в эти десятилетия, на нас смотрят люди, красивые и внутренне благородные, иногда полные романтического трепета, иногда меланхолически-мечтательные. Такие образы, созданные Кипренского, Тропинина, их можно увидеть и среди работ Брюллова. Значительности, серьезности и поэтичности выполнены образы людей из народа в картинах этого времени. Именно такие они, например, в произведениях Венецианова и Тропинина. Интерес к жизни народа, к его долей одухотворяв и историческая живопись: именно народ, его страсти, его мечтания более всего волнуют двух видных исторических живописцев этого времени-Брюллова и Иванова. Подобно этому создатели величественных архитектурных сооружений Петербурга и Москвы в мыслях населяли свои храмы, общественные здания и площади народными толпами: строителей и скульпторов вдохновляли идеалы демократического, гражданственно характера общественной жизни, тесно слиты с идеями величия русского народа как нации. Кроме поэтизации позитивного, прекрасного в существующей действительности, в искусстве этих лет зреет тенденция критического изображения ее пороков. Здесь противоречия между прогрессивными и реакционными элементами в общественной жизни России первой половины XIX века находят свое непосредственное изображение в характернейших эпизодах современного быта. Наиболее яркое выражение эта тенденция получила в искусстве Федотова. Обе эти тенденции, определившие собой характер искусства первой половины XIX века, равно важны для понимания значения данного периода в истории русского искусства. Обе они, каждая по-своему, питают творчество русских живописцев, графиков, скульпторов и архитекторов второй половины прошлого столетия.

Предыдущая статья: Цитаты о смерти и самоубийстве Следующая статья: Безе рецепт – французская кухня: выпечка и десерты