Иллюстрации отражающие искусство раннего возрождения. Живопись раннего возрождения в италии. Архитектура Италии во время Раннего Возрождения

) - имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы , пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению и Новому времени . Приходится - в Италии - на начало XIV века (повсеместно в Европе - с -XVI веков) - последнюю четверть XVI века и в некоторых случаях - первые десятилетия XVII века. Отличительная черта эпохи Возрождения - светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре , происходит её «возрождение» - так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов , например, у Джорджо Вазари . В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле . В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета.

Общая характеристика

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях : мастеров и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности , видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Периоды эпохи Возрождения

Возрождение делят на 4 этапа:

1. Проторенессанс (2-я половина XIII века - XIV век)
2. Раннее Возрождение (начало XV - конец XV века)
3. Высокое Возрождение (конец XV - первые 20 лет XVI века)
4. Позднее Возрождение (середина XVI - 1590-е годы)

Проторенессанс

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, собственно и появился в Позднем средневековье, с византийскими , романскими и готическими традициями, этот период явился предтечей Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год).В первый период совершаются важнейшие открытия, живут и работают ярчайшие мастера. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре , автором был Арнольфо ди Камбио , затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора .

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано , Арнольфо ди Камбио , Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ , Джотто) и Сиены (Дуччо , Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи стал Джотто . Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с по 1500 года . В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого (Средних веков), но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием всё сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп , а также в Испании , Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Высокое Возрождение

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с по 1527 год . В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла : в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело Буонарроти (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет , что «Возрождение, как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация , которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм . В Парму , где работал Корреджо , маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х годов там работали Тициан и Палладио , чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Северное Возрождение

Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до г. После г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко .

Само понятие «Возрождение» (rinascita) возникло в Италии в XIV веке как некий итог осмысления новаторства эпохи. Традиционно родоначальником эпохи Возрождения в литературе считают Данте Алигьери. Именно он впервые обратился к человеку, его страстям, его душе в своем произведении под названием «Комедия», которое впоследствии будет названо «Божественной комедией». Именно он был первым поэтом, который четко и непреклонно возродил гуманистическую традицию. Северное Возрождение - термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее - во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий. Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определённые специфические черты. В современной культурологии общепринято считать, что именно в литературе Возрождения наиболее полно выразились гуманистические идеалы эпохи, прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение» .

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Возрождение в России

Тенденции Возрождения, существовавшие в Италии и Центральной Европе, повлияли на Россию во многих отношениях, хотя это влияние было весьма ограничено из-за больших расстояний между Россией и основными европейскими культурными центрами с одной стороны, и сильной привязанности русской культуры к своим православным традициям и византийскому наследию с другой стороны.

Наука

В целом, преобладающая в данную эпоху пантеистическая мистика Возрождения создавала неблагоприятный идейный фон для развития научных знаний. Окончательное становление научного метода и последовавшая за ней Научная революция XVII ст. связаны с оппозиционным Возрождению движением Реформации .

Философия

Философы эпохи Возрождения

Литература

Истинным родоначальником эпохи Возрождения в литературе принято считать итальянского поэта Данте Алигьери (1265-1321), который истинно раскрыл сущность людей того времени в своем произведении под названием «Комедия», которое впоследствии будет названо «Божественной комедией» . Этим названием потомки явили своё восхищение грандиозным созданием Данте. В литературе Возрождения наиболее полно выразились гуманистические идеалы эпохи, прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности. Любовные сонеты Франческо Петрарки (1304-1374) открыли глубину внутреннего мира человека, богатство его эмоциональной жизни. В XIV-XVI веке итальянская литература пережила расцвет - лирика Петрарки, новеллы Джованни Боккаччо (1313-1375), политические трактаты Никколо Макиавелли (1469-1527), поэмы Лудовико Ариосто (1474-1533) и Торквато Тассо (1544-1595) выдвинули её в число «классических» (наряду с древнегреческой и древнеримской) литератур для других стран.

Литература Возрождения опиралась на две традиции: народную поэзию и «книжную» античную литературу, поэтому часто рациональное начало сочеталось в ней с поэтической фантастикой, а комические жанры получили большую популярность. Это проявилось в наиболее значительных литературных памятниках эпохи: «Декамероне» Боккаччо , «Дон Кихоте» Сервантеса , и «Гаргантюа и Пантагрюэле» Франсуа Рабле . С эпохой Возрождения связано появление национальных литератур - в отличие от литературы средних веков, создававшейся преимущественно на латыни. Широкое распространение получили театр и драма. Самыми известными драматургами этого времени стали Уильям Шекспир (1564-1616, Англия) и Лопе де Вега (1562-1635, Испания)

Изобразительное искусство

Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к природе, к законам анатомии, жизненной перспективе, действию света и другим идентичным естественным явлениям.

Художники Возрождения, работая над картинами традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа как элемент сюжета на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении .

Архитектура

Главное, чем характеризуется эта эпоха - возвращение в архитектуре к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся симметрии , пропорции , геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры . Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн , пилястр и притолок , на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки , полусфера купола , ниши , эдикулы . Наибольший вклад в развитие ренессансной архитектуры внесли пять мастеров:

• Филиппо Брунеллески (1377-1446) - основоположник ренессансной архитектуры, разработал теорию перспективы и ордерную систему , вернул в строительную практику многие элементы античной архитектуры, создал впервые за многие столетия купол (Флорентийского собора), до сих пор доминирующий в панораме Флоренции .
• Леон Баттиста Альберти (1402-1472) - крупнейший теоретик ренессансной архитектуры, создатель её целостной концепции, переосмыслил мотивы раннехристианских базилик времён Константина , в палаццо Ручеллаи создал новый тип городской резиденции с фасадом , обработанным рустом и расчленённым несколькими ярусами пилястр .
• Донато Браманте (1444-1514) - зачинатель архитектуры Высокого Возрождения, мастер центрических композиций с идеально выверенными пропорциями; на смену графической сдержанности архитекторов кватроченто у него приходят тектоническая логика, пластичность деталей, цельность и ясность замысла (Темпьетто).
• Микеланджело Буонарроти (1475-1564) - главный архитектор Позднего Возрождения, руководивший грандиозными строительными работами в папской столице ; в его постройках пластическое начало выражается в динамичных контрастах как бы наплывающих масс, в величественной тектоничности, предвещающей искусство

Родиной классического Возрождения считается Италия. История итальянского Возрождения охватывает почти два столетия. Принято говорить о Раннем Возрождении (середина XIV века – XV век), Высоком, или Зрелом Возрождении (конец XV века – 30-е годы XVI века) и Позднем Возрождении (40-е – 80-е годы XVI века).

Почему феномен Возрождения ранее всего возник и ярче всего проявился именно в Италии? Ответ на этот вопрос лежит в экономической плоскости - это раннее зарождение капиталистических отношений в стране.

Решающим оказалось возросшее влияние мастеровых, ремесленников, торговцев и банкиров - то есть сословий, которые не участвовали в феодальных отношениях. Они не исповедовали иерархическую систему средневековых ценностей, самой большой ценностью стал человек и его созидающая деятельность. Это была благоприятная почва для зарождения гуманизма. Это способствовало быстрому вытеснению средневекового мировоззрения зарождающимся новым буржуазным мировоззрением с признаками новой буржуазной культуры.

Особенно ярко это проявилось в XV веке в период Кватроченто (Раннего Возрождения). В этот период сложилась эстетика искусства Возрождения, проникнутая духом порядка и меры. Глубокий светский характер является определяющей чертой ренессансной культуры. Пожалуй, только в Италии XV века любимый художник Козимо Медичи (неофициального властителя Флоренции) Филиппе Липпи (1406-1469) решился изобразить свою возлюбленную (монашку, некогда похищенную из монастыря) и своих детей в образе Мадонны и Христа с Иоаном.

В городах начали появляться светские центры науки и искусства, которые уже не контролировались церковью. Теперь искусство стало инструментом познания мира, оно шло впереди науки, философии и поэзии. Вера в силу разума была безграничной. На первое место были выдвинуты точные научные знания. Появился целый ряд научных трактатов. Первым теоретиком в области живописи и архитектуры считается Леон Баттиста Альберти (1404-1472), который разработал теорию линейной перспективы и правдивого изображения глубины пространства в картине.

Раздробленность Италии на ряд независимых областей стала той исторической особенностью развития, которая привела к появлению локальных художественных школ. У каждой школы был свой путь развития, и свои яркие представители, что, впрочем, не означало их изоляцию. Всё это способствовало быстрому избавлению от системы ценностей, созданной церковной культурой. Искусство рассталось со средневековой безымянностью мастеров. В Истории искусства Павел Муратов писал в “Образах Италии”: “Для глаза флорентийского художника не было ничего малого и незначительного. Всё составляло для него предмет познания. Но знание вещей, к которому стремился человек кватроченто, нисколько не похоже на то знание, которое составляет гордость нашего века… там, где мы видим общее, и, значит, всегда чужое, там художник кватроченто видел особенное и своё! Это сделало возможным торжество индивидуализма во флорентийском искусстве ” .

Новое мировоззрение основывалось на гуманистических отношениях античности. А изобретение книгопечатанья в середине XV века и большое количество античных памятников на итальянской земле способствовали распространению античного наследия.

Колыбелью ренессансной культуры в эпоху Кватроченто была Флоренция - богатый город-коммуна, где оставили свой яркий след в искусстве Данте и Джотто. Революционные изменения происходили не только в науке и искусстве, они затронули и общественные отношения. Ведущая роль Флоренции была предопределена новым зарождающимся общественным явлением - меценатством. Политическая власть во Флоренции принадлежала купцам и ремесленникам. Между несколькими богатейшими семьями велась постоянная борьба за первенство. В конце XIV века эта борьба закончилась победой банкирского дома Медичи (а позднее и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) всем искусствам, что, безусловно, подчёркивало высокий социальный статус Медичи, во Флоренции была утверждена в 1439 году Платоновская академия и Лауренцианская библиотека. Это способствовало небывалому расцвету архитектуры и живописи.

Это было время экспериментальных поисков и открытий, представленным такими уникальными именами как Донателло, Брунеллески и Мазаччо.

фото с сайтов : biografieonline.it, art-prints-on-demand.com, clubausonia.it

Также вы можете инициировать обсуждение интересных вам тем на нашего портала.

Раннее Возрождение в Италии: условия возникновения и представители - на портале 2 queens . ru !

Искусство Раннего Возрождения (кватроченто)

Начало XV в. ознаменовано острым политическим кризисом, участниками которого были Флорентийская республика и Венеция, с одной стороны, Миланское герцогство и Вилла Медичи Неаполитанское королевство - с другой. Завершился продолжавшийся с 1378 по 1417 гг. церковный раскол, и на соборе в Констанце был избран папа Мартин V, избравший своей резиденцией Рим. Изменилась расстановка политических сил Италии: жизнь Италии определяли такие региональные государства, как Венеция, Флоренция, отвоевавшая или выкупившая часть территорий соседних городов и вышедшая к морю, Неаполь. Социальная база итальянского Возрождения расширилась. Расцветают локальные художественные школы, имеющие длительные традиции. Определяющим в культуре становится светское начало. В XV в. гуманисты дважды занимали папский престол.

«Ни небо не представляется для него слишком высоким, ни центр земли слишком глубоким. А так как человек познал строй небесных светил и как они движутся, то кто станет отрицать, что гений человека… почти такой же». Марсилио Фичино Для Раннего Возрождения характерно преодоление позднеготических традиций и обращение к античному наследию. Однако это обращение не вызвано подражательностью. Не случайно Филарете изобрел собственную систему ордеров.
«Подражание природе» через постижение ее законов - главная идея трактатов по искусству этого времени.
Если в XIV в. гуманизм был преимущественно достоянием литераторов, историков и поэтов, то с первых лет XV в. гуманистические искания проникли в живопись.

Virtu (доблесть) - это заимствованное у античных стоиков понятие было принято флорентийским гуманизмом конца XIV-1-ой пол. XV вв. Ведущее место в гуманизме последней трети XV в. занял неоплатонизм, в котором центр тяжести переместился с морально-этической проблематики к философской. Всех гуманистов этого века объединяет представление о человеке как о самом совершенном творении природы.

Изменения в положении художника связаны с тем, что в начале века синьория Флоренции подтверждает давно забытое правило, согласно которому зодчие и скульпторы могли не входить в цеховую организацию того города, в котором работали. Сознавая ценность художественной неповторимости, творцы произведений начинают подписывать свои творения, Так, на дверях флорентийского баптистерия написано: «Чудесное произведение искусства Лаврентия Чоне де Гиберти». Во второй половине XV в. становятся обязательными рисование с модели и натурные наброски.

Первым итальянским архитектором, который ориентировался на древнеримское наследие, был Леон Баттиста Альберти (1404-1472). Абсолютным и первичным для Альберти была красота. На таком понимании красоты Альберти обосновал свое учение об concinnitas (созвучии, согласии) всех вещей. В связи с понятием о соразмерности появляется и интерес к законам гармонических числовых отношений, совершенных пропорций. Одни, как Филарете, искали их в строении человеческого тела, другие (Альберти, Брунеллески) - в числовых отношениях музыкальной гармонии.
«Красота есть соразмерная гармония всех частей, объединенных тем, чему они принадлежат, - такая, что ни прибавить, ни убавить, ни изменить ничего нельзя, не сделав хуже», - считал Альберти.

Еще одно открытие кватроченто - прямая перспектива. Первым ее применил Ф. Брунеллески в двух видах Флоренции. В 1416 г. ее использовал друг Брунеллески, скульптор Донателло в рельефах «Битва св. Георгия с драконом», а около 1427-1428 гг. Мазаччо создал в фреске «Троица» перспективное построение. Подробную теоретическую разработку принципов перспективы дал Альберти в «Трактате о живописи». Проекционный метод исходил не из отдельных предметных образов, а из пространственной связи предметов, при которой каждый отдельный предмет терял свой устойчивый облик. Перспективное изображение рассчитано на эффект присутствия, поэтому предполагало рисование с натуры с фиксированной точки зрения. Перспектива предполагает передачу светотени и тонально-цветовых отношений.

Архитектура кватроченто

Сущность и закономерности архитектуры определяются для теоретиков XV в. ее служением человеку. Поэтому популярной становится почерпнутая у Витрувия идея о подобии здания человеку. Формы здания уподоблялись пропорциям человеческого тела. Теоретики архитектуры также видели связь зодчества с гармонией мироздания. В 1441 г. был найден трактат Витрувия, изучение которого способствовало усвоению принципов ордерной системы. Архитекторы пытались выстроить модель идеального храма. По мнению Альберти, он в плане должен быть подобен кругу или вписанному в него многограннику.

Баптистерий (греч. baptisterion - купель) - крещальня, помещение для крещения. В эпоху раннего Средневековья в связи с необходимостью массовых крещений баптистерии строились отдельно от церкви. Чаще всего баптистерии строились круглыми или гранеными и перекрывались куполом.
Закономерным результатом разработки теории перспективы явилась разработка законов пропорций - пространственных соотношений отдельных элементов здания (высоты колонны и ширины арки, среднего диаметра колонны и и ее высоты).
Увлеченность античностью была свойственна мастерам кватроченто, но каждый творец создавал и сознавал собственный идеал античности.

В XV в. начали проводиться конкурсы на предоставление права какого-либо художественного проекта. Так, в конкурсе 1401 г. на изготовление северных бронзовых дверей баптистерия принимали участие и прославленные мастера, и двадцатилетние Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески. Темой изображения было «Жертвоприношение Авраама» в виде рельефа. Победу одержал Гиберти. В конкурсе 1418 г. на возведение купола собора Санта-Мария дель Фьоре выиграл Брунеллески (1377-1446) - архитектор, математик и инженер. Купол должен был увенчать собор, построенный в начале XIII в. и расширенный в XIV в. Трудность состояла в том, что купол не мог быть возведен с помощью известных тогда технических приемов. Брунеллески свой способ вывел из приемов древнеримской каменной кладки, но изменил форму купольного сооружения. Слегка заостренный огромный (диаметр - 42 м) купол состоял из двух оболочек, основной каркас - из 8 основных ребер и 16 дополнительных, связанных между собой погашающими распор горизонтальными кольцами.

Архитектурным воплощением сущности эпохи Возрождения стала созданная Брунеллески лоджия на фасаде Воспитательного дома во Флоренции. Возвращаясь к основам древнеримского зодчества, опираясь на принципы Проторенессанса и на национальную традицию итальянской архитектуры, Брунеллески проявил себя как реформатор, создав портик Воспитательного дома, благотворительного учреждения. Новой была форма фасада. Портик был шире самого Воспительного дома, к которому справа и слева примыкало еще по одному пролету. Это создавало впечатление широкой протяженности, что выражалось в просторности арочных пролетов аркад, подчеркивалось относительной невысотой второго этажа. В здании отсутствовали готические формы, вместо ориентации здания в высоту или глубину, Брунеллески заимствовал из античности гармоническое равновесие масс и объемов.

Сплющенный рельеф (ит. relievo schiacciatto) - вид барельефа, в котором изображение возвышается над фоном в наименьшей степени и сближены до предела пространственные планы.

Брунеллески принадлежит заслуга первого практического осуществления прямой перспективы. Еще в античности геометры основывали оптику на предположении, что глаз соединяется с наблюдаемым предметом оптическими лучами. Открытие Брунеллески состояло в том, что он пересек эту оптическую пирамиду плоскостью изображения и получил на плоскости точную проекцию предмета. Использовав двери Флорентийского собора как естественную раму, Брунеллески поставил перед ними проекцию баптистерия (здания крещальни, расположенной перед собором), и эта проекция на определенном расстоянии совпадала с силуэтом здания.

Не все проекты Брунеллески были осуществлены в соответствии с его замыслом.
Ученик Брунеллески Микелоццо ди Бартоломмео создал палаццо Медичи - трехэтажное, квадратное в плане, с квадратным двором в центре.

Леон Батиста Альберти (1404- 1472) - разносторонне образованный философ-гуманист, работавший во Флоренции, Ферраре, Римини. Альберти был первым архитектором, ориентирующимся прежде всего на древнеримское наследие, глубоко понявшим смысл римского зодчества. Современников смущала необычность церковных построек Альберти; папе Пию I церковь Сан-Франческо в Римини показалась похожей на языческое капище, церковь Сан-Себастьяно в Мантуе напомнила одновременно церковь и мечеть. Альберти создал палаццо Руччелаи во Флоренции с гладкими, лишенными рустовки стенами, нарядным обрамлением порталов и окон и ордерной декорировкой фасада. В проекте мантуанской церкви Сант-Андреа Альберти соединил традиционную базиликальную форму храма с купольным покрытием. Для здания характерны величественность арок фасада, грандиозность внутреннего пространства. Стену по горизонтали пересекал широкий антамблемент. Решающее значение имел портик, а в нем свод, в котором нервюры были заменены плоским куполом.
Большинство других архитекторов удачно совмещали роль проектировщиков с функциями прорабов.

Живопись XV в.
Живопись преимущественно живопись монументальная, т.е. фреска. Особенность фрески - необходимость использования ограниченного количества красителей, вступающих в соединение с известью. Из станковых видов живописи все большую роль начинает играть алтарь. Это не готический алтарь со множеством створок, а единая композиция - алтарная картина, т.н. pala. Под алтарной картиной - несколько маленьких, вытянутых по горизонтали картин, образующих узкую полосу-пределлу. В первой половине века появляется самостоятельный светский портрет. Одним из первых художников эпохи стал Мазаччо (настоящее имя - Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи) (1401-1428). Основные работы: «Мадонна с младенцем и ангелами», «Распятие», «Поклонение волхвов», «Троица».

Во фреске Капеллы Бранкаччи в церкви Санта- Мария дель Кармине «Чудо со статиром» Мазаччо соединяет три эпизода: Христос, у которого сборщик податей просит деньги; Христос, повелевающий Петру выловить рыбу, чтобы вынуть из нее монету; Петр отдает деньги. Мазаччо делает второй эпизод центральным, поскольку ему было необходимо показать, что события зависят от побуждающей воли Христа.
Фра Беато Анджелико (1395- 1455). В 1418 г. принимает постриг в доминиканском монастыре во Фьезоле, отныне зовется фра (брат) Джованни. В 1438 г. переезжает в монастырь Сан-Марко во Флоренции, в котором оформляет главный алтарный образ и кельи монахов. Самой известной работой фра Анджелико стала фреска «Благовещение».

Филиппо Липпи (ок. 1406-1469) рано остался без родителей, в 1421 г. принял постриг в монастыре Санта- Мария дель Кармине. Филиппо писал алтарные образы для флорентийских церквей Сан-Спирито, Сан- Лоренцо, Сант-Амброджо, маленькие алтарные картины в форме тон- до, которые принято было дарить на свадьбу или в связи с рождением ребенка. Ему покровительствовали Медичи.Пьеро делла Франческа (1420- 1492) родился в Сан-Сеполькро и всю жизнь, несмотря на постоянные отлучки, возвращался работать в свой родной город. В 1452-1458 гг. Пьеро делла Франческа расписал главную капеллу церкви Сан-Франческо в Ареццо фресками на тему истории животворящего креста.
Андреа делла Вероккьо (1435- 1489) был одним из любимцев Медичи, по поручению которого он выполнял работы в церкви Сан-Лоренцо.

Доменико Гирландайо (1449- 1494) во Флоренции работал по заказу купцов и банкиров, близких к дому Медичи. В своих композициях часто изображал в качестве персонажей священной истории своих сограждан.
Перуджино (1450-1523). Настоящее имя - Пьетро Ваннуччи, родился недалеко от Перуджи, отсюда его прозвище Перуджино. В Риме в 1481 г. вместе с другими расписывал Флорентийскую капеллу на сюжеты Ветхого и Нового Завета, создавал алтарные композиции по заказу церквей и монастырей Северной Италии.
Бернардино ди Бетто, прозванный Пинтуриккьо из-за маленького роста (1454-1513), создавал фрески, миниатюры на литературные сюжеты. Самой известной работой Пинтуриккьо явились украшения из стук- ка и фрески в папских комнатах в Ватикане.

Андреа Мантенья (1431-1506) был придворным живописцем герцога Гонзага в Мантуе, писал картины, создавал гравюры, декорации для спектаклей. В 1465-1474 гг. Мантенья оформил городской дворец Лодовико Гонзага и его семейства.
Последним из великих мастеров кватроченто считается Сандро Боттичелли (1445-1510), близкий к флорентийским неоплатоникам своим устремлением в потусторонний мир, желанием выйти за рамки природных форм и истории. Ранние работы Боттичелли отличаются мягким лиризмом. Он пишет портреты, полные внутренней жизни. Это и Джулиано Медичи, лицо которого отмечено печалью. В «Портрете Си- монетты Веспуччи» Боттичелли изображает в профиль стоящую молодую женщину, лицо которой выражает чувство собственного достоинства. В 90-х гг. им создан портрет Лоренцо Лоренциано, ученого, покончившего жизнь в 1504 г. в припадке безумия. Художник изображает почти скульптурно осязаемый образ.

«Весна» положила начало высшему расцвету деятельности Боттичелли, его слава достигла Рима: посреди цветущего луга стоит Венера - богиня любви, представленная в виде нарядно одетой девушки. Над Венерой парит Амур, который с завязанными глазами пускает в пространство горящую стрелу. Справа от Венеры три грации ведут хоровод. Около танцующих граций стоит вестник богов Меркурий, поднимающий вверх жезл - кадуцей. В правой части картины из глубины чащи летит бог ветра Зефир, воплощающий стихийное начало в природе. «Рождение Венеры» Боттичелли написал в 1482- 1483 гг. по заказу Лоренцо Медичи. Море подступает к самому краю картины, по его поверхности плывет зо- лотисто-розовая раковина, на завитке которой стоит нагая Венера. К ее ногам падают розы, ветры направляют раковину к берегу, где нимфа приготовила затканный цветами плащ.

Вполне вероятно, что Боттичелли вложил в изображение подтекст, взятый из неоплатонизма. «Рождение Венеры» - это отнюдь не языческое воспевание женской красоты. В ней заложена идея христианства о рождении души из воды во время крещения. Обнаженное тело богини означает чистоту, природа представлена своими стихиями: воздух - это Эол и Борей, вода - море зеленоватого цвета с орнаментальными завитками волн. Это согласуется с тем, как глава флорентийской Академии Марсилио Фичино трактовал миф о рождении Венеры как олицетворение души, которая благодаря божественному началу способна создать красоту. Для Боттичелли не существовало непроходимой грани между античностью и христианством. В свои религиозные картины художник вводит античные образы. Одна из знаменитых картин религиозного содержания - «Величание мадонны», созданная в 1483-1485 гг. Мадонна изображена на троне в окружении ангелов с младенцем Христом на коленях. Мадонна протягивает перо, чтобы вписать слова в книгу с началом молитвы в свою честь. После «Магнификат* Боттичелли создает ряд работ, в которых все более усиливаются спиритуализм, готические отзвуки проявляются в отсутствии пространства, в экзальтированности образов.

Ренессансная скульптура воплощала антропоцентризм Возрождения. Скульпторы итальянского Возрождения осуществляли индивидуализацию образа не только в плане физиономической персонификации, но и как духовного самосознания личности. Главная особенность скульптуры XV в. - ее отделение от стены и ниши собора.
Донателло (настоящее имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386-1466) принадлежит изобретение особого вида рельефа, сущность которого состоит в тончайших градациях объемов, при которых наиболее выдвинутые фигуры вылеплены в высоком рельефе, наиболее отдаленные чуть выступают из фона. При этом пространство перспективно построено и позволяет вмещать множество фигур. Таковы рельефы с изображением чудес св. Антония алтаря церкви Сант-Антонио в Падуе. Первым сплющенным рельефом Донателло явилась панель «Святой Георгий, убивающий дракона», созданная около 1420 года. Основная масса изображения сплющена и распластана, ограничена глубоко врезанным контуром, зачастую выполненным в технике наклонной борозды.

В 1432 г. в Риме Донателло знакомится с античным искусством и приходит к собственной трактовке духа античности, в которой его привлекает передача душевного волнения, драматизма чувств. Донателло возродил применяемый в античной скульптуре хиазм - постановку фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу, и поэтому поднимающемуся бедру соответствует опущенное плечо и наоборот.
На площади перед церковью Сант-Антонио в Падуе в 1447- 1453 гг. Донателло ставит первый в искусстве Нового времени бронзовый памятник Гаттамелате.

Возрождение, или Ренессанс - эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Отличительная черта эпохи Возрождения - светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности).

Стиль эпохи возрождения

Зажиточным гражданам Европы больше не было необходимости укрываться за стенами замков. На смену им пришли городские дворцы (палаццо) и загородные виллы, радовавшие владельцев красотой и комфортом. Типичный палаццо обычно имеет 3-4 этажа. На нижнем этаже находились вестибюли, служебные помещения, конюшни и кладовые. На следующем уровне - пьяно нобиле - размещаются просторные богато украшенные парадные залы. Иногда на этом этаже устраивали спальни членов семьи хозяина дома. Личные покои - это спальня и «студио», комната, используемая как кабинет, мастерская или помещение для частных бесед. Рядом помещалась комната для умывания; воду брали из фонтана или колодца. Третий этаж часто имел такую же планировку, как и piano nobile, здесь были жилые комнаты с более низкими потолками. На верхнем этаже высота потолков была еще меньше, здесь находились помещения для слуг. Средневековые лестницы были винтовыми или напоминали узкие щели, прорубленные в толще стен, теперь они стали широкими и прямыми и доминируют в интерьере. Дополнительные лестницы часто были плохо освещены. Загородная вилла строилась не в таких стесненных условиях, и поэтому могла быть больше. При этом сохранялась та же схема: служебные помещения помещались внизу, парадные комнаты - на втором этаже, а комнаты слуг - на верхнем этаже или на чердаке.

Интерьеры эпохи Возрождения говорят об увлечении классикой. Во главу угла ставится симметрия, а детали заимствуются из древнеримских образцов. Стены часто нейтральных тонов или с узорами. В богатых домах стены часто украшены фресками. Потолки балочные или кессонированные. Потолочные балки и кессоны окрашены в яркие цвета. Полы украшены сложными геометрическими орнаментами. Камины, служившие единственным источником тепла, покрыты резьбой. Если судить по картинам художников того времени, драпировки и другие аксессуары были разноцветными.

В эпоху Вожрождения мебель была более широко распространена, чем в Средние века, но по современным меркам ее все же было немного. Резьба, инкрустация и интарсия присутствовали в интерьере в зависимости от финансовых возможностей и вкусов домовладельца.

Интерьеры церквей эпохи Ренессанса были окрашены в сдержанные цвета и богато декорированы архитектурными деталями, заимствованными из древнеримских памятников. Витражи уступили место прозрачному стеклу. Широко использовалась живопись - фрески, алтарные картины. Алтари обычно заказывали и дарили храмам богатые граждане, чьи портреты можно видеть на переднем плане. В интерьерах эпохи Возрождения прослеживается переход от простоты к пышности.

Раннее Возрождение

Палаццо Даванцати во Флоренции (конец XIV в.) - превосходно сохранившийся городской дом, построенный на рубеже двух эпох. Здание стоит на узком, неправильной формы участке земли, что типично для средневекового города. На нижнем этаже расположена выходящая на улицу лоджия, которая могла служить лавкой. Из внутреннего двора лестницы ведут на этажи, где размещаются жилые помещения - просторные и богато украшенные, но хаотично расположенные, как в средневековом замке. Снаружи здание симметрично. Фризы и консоли, которые служат опорой для балок потолка, заимствованы из классической архитектуры; но свинцовые переплеты окон и напоминающая узоры гобеленов роспись стен уходят корнями в Средневековье. Даже с мебелью комнаты кажутся пустыми, еще ощутим средневековый аскетизм.

Примерные хронологические рамки эпохи: начало XIV - последняя четверть XVI века и в некоторых случаях - первые десятилетия XVII века (например, в Англии и, особенно, в Испании). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин. Историки разделили эпоху Возрождения на три периода: раннее , высокое, позднее Историки старой школы выделяют триумфальный период «Высокого Возрождения», который заканчивается упадком. Современные ученые считают каждый период достойным изучения и восхищения: от смелого эксперимента через период расцвета к последнему этапу, отличающемуся большой свободой и сложностью.

Возрождение во Франции

В 1515 г. Франциск I (1515-1547) по приглашению папы провел четыре дня в Ватикане, где он мог любоваться искусством Высокого Возрождения. Франциск предложил Леонардо да Винчи приехать во Францию, что осуществилось в 1516 г. Леонардо поселился в окрестностях Амбуаза, где прожил вплоть до смерти в 1519 г. Крыло Франциска в замке Блуа (1515-1519) с его знаменитой лестницей имеет три этажа, которые оформлены пилястрами и декоративными элементами, заимствованными из внутренних дворов флорентийских дворцов. Крыша с трубами и слуховыми окнами выполнена в стиле, характерном для Франции.

Самый эффектный из раннеренессансных замков - огромный королевский дворец Шамбор (1519). Круглые средневековые башни, рвы, высокие крыши сочетаются с симметричной планировкой и ордерными элементами. Разнообразные печные трубы, башенки, купола и слуховые окна напоминают об итальянском ренессансе. В замке Шамбор вестибюль в плане представляет собой греческий крест. Двухмаршевая винтовая лестница в центре вестибюля - стержень всей композиции. Поскольку Леонардо да Винчи жил недалеко от Амбуаза, бытует мнение, что лестница была создана на основе набросков, найденных в его записных книжках. Жилые помещения сосредоточены в углах квадрата, дополнительные комнаты, лестницы и коридоры размещаются в угловых башнях, что делает здание похожим на огромный лабиринт. Комнаты выглядят голыми. В те времена мебель переезжала вместе с королевским двором в Париж и обратно. Считается, что план замка был разработан Доменико да Кортона (ум. 1549), учеником Джулиано да Сангалло, который посетил Францию в 1495 г. (Сангалло возвратился в Италию, а Доменико остался во Франции). Французский архитектор Пьер Иепво также сыграл важную роль, но был он автором проекта или простым каменщиком, работающим под началом других мастеров, неясно.

Небольшой замок Азе-ле-Ридо в долине Луары (1518-1527) - творение неизвестных архитекторов. Здание в форме латинской буквы Б, ров с водой и озеро образуют очаровательный ансамбль. Угловые башни и ров напоминают о Средневековье, но задний фасад, обращенный ко рву, абсолютно симметричен, а пилястры и фризы выполнены в ренессансном стиле. Главная лестница расположена в центре основного объема. Причудливый вход отмечает ее расположение снаружи. Фасад здания асимметричен. К счастью интерьеры Азеле-Ридо хорошо сохранились. От главной лестницы начинается анфилада комнат. Деревянные балки потолка открыты, стены затянуты тканью, большие камины, вероятно, - творение итальянского мастера. Окна утоплены в толщу каменных стен. Поскольку у комнат не было какого-то специального назначения, например, кровать могла стоять в любой из них. При этом каждая комната оформлялась в определенной цветовой гамме.

Брунеллески

Раннее Возрождение в Италии - период, начиная приблизительно с 1400 г. и до конца XV в. Первая значительная фигура - Филиппо Брунеллески (1377-1446), флорентийский ювелир, впоследствии ставший скульптором, геометром и архитектором. Он являет собой образец «человека эпохи Возрождения». Приняв участие в конкурсе проектов купола Флорентийского собора, Брунеллески предложил построить огромный купол без контрфорсов и без деревянных кружал (в последнем случае потребовалось бы возвести дорогостоящие строительные леса, которые сами по себе являются громадным инженерным сооружением). В 1420 г. Брунеллески приступил к строительству грандиозного купола, который до сих пор возвышается над Флоренцией.

Купол Брунеллески отличается от римских куполов своей стрельчатой формой, которая прекрасно сочетается с готическим собором. Сооружение купола без наружных контрфорсов потребовало принципиально новых технологических решений. Каменные нервюры расположены в углах восьмиугольника, плюс по две дополнительные нервюры в каждой грани купола. Все пространство собора было задействовано в процессе строительства. Не видны огромные связи из камня, железа и дерева, которые соединяют купол с «кольцами растяжения» и гасят распор, вполне достаточный для того, чтобы разрушить всю конструкцию. В вершине купола находится круглое окно. Фонарь купола, фактически маленькое здание на крыше, был сооружен уже после смерти Брунеллески, но выдержан в его стиле и является единственной частью купола, которая выдержана в строго классическом стиле.

Хотя громадный купол - самое эффектное сооружение Брунеллески, другие проекты отражают его концепцию интерьера более полно. Во флорентийских церквях Сан-Лоренцо (начата ок. 1420) и Санто-Спирито (начата в 1435) Брунеллески предпринял попытку превратить базилику с трансептом, хором и боковыми нефами в нечто новое. План каждой церкви разбит на квадраты, один такой квадрат является модулем для всего сооружения в целом. Центральный неф отделен от боковых нефов римскими арками, которые поддерживают коринфские колонны. Боковые нефы перекрыты сводами. В римских постройках арка опирается не непосредственно на колонну, а на антаблемент. У Брунеллески мы видим то же: колонны всегда заканчиваются фрагментом антаблемента, квадратной плитой, которую иногда называют импостом.

Самой первой работой Брунеллески в церкви Сан-Лоренцо стала маленькая Сакристия (известная как Старая сакристия, есть еще Новая сакристия работы Микеланджело, обычно называемая Капелла Медичи). Это квадратная в плане комната, увенчанная куполом на парусах. Она соединяется с помещением меньшего размера, где находится алтарь (т.н. скарселла).

Маленькая капелла Пацци во внутреннем дворе церкви Санта-Кроче во Флоренции (1429-1461) обычно считается творением Брунеллески, хотя точно не установлено, каким был его вклад в строительство капеллы, которое завершилось после смерти зодчего, но она во многом напоминает Сакристию в церкви Сан-Лоренцо. Ее часто считают первым сооружением Раннего Возрождения, для которого характерны симметрия и классические элементы наряду с утонченностью и новаторскими решениями. Квадратное пространство перекрыто куполом на парусах, по направлению север-юг от подкупольного квадрата отходят рукава креста с цилиндрическими сводами, превращающие квадратный план в прямоугольный. Квадратная скарселла со своим куполом уравновешивает план. Капелла строилась как монастырский зал капитула, внутри до сих пор сохранились скамьи, опоясывающие помещение по периметру, предназначенные для принимающих участие в собраниях монахов. Стены украшены пилястрами из серо-зеленого мрамора, в верхней части стен расположены круглые ниши с рельефами Луки делла Роббиа (1400-1482). Помещение кажется небольшим, тогда как на самом деле оно имеет внушительные размеры. Это может быть обусловлено не совсем правильным использованием классических элементов.

Микелоццо

Дворец Медичи-Риккарди во Флоренции (начат в 1444), построенный по проекту Микелоццо ди Бартоломмео (1396-1472), с рустованными стенами и маленькими окошками, напоминает средневековый замок, но симметричный план и ордерные эелементы указывают на стиль Раннего Возрождения. Центральный вход ведет в небольшой квадратный дворик с выходом в сад. Двенадцать колонн коринфског ордера поддерживают арки, образуя открытую галерею. Арки опираются непосредственно на капители колонн, некрасиво соединяясь в углах, что говорит о не достаточном знании архитектором законов классической архитектуры. Интерьеры отличаются простотой и отсутствием декора, за исключением великолепных кессонированных потолков, наличников дверей и каминных досок в классическом стиле. Возможно, в главных комнатах висели гобелены, одновременно служившие украшением. В капелле сохранились фрески Беноццо Гоццоли (1420-1497), на которых изображено «Поклонение волхвов» - вереница пышно одетых людей движется по холмистой местности. Фреска напоминает гобелен. При последующей перестройке (1680) симметрия была сохранена, хотя первоначальная симметрия сейчас осталась только в левой части. Внутренний двор палаццо служит примером архитектуры Раннего Возрождения: полуциркульные арки опираются на тонкие колонны коринфского ордера, план строго симметричен.

Альберти

Леон Баттиста Альберти (1404-1472) был ученым, музыкантом, художником, теоретиком искусства и писателем. Его книга «De Re Aedificatoria» («О строительстве»), опубликованная в 1485 г., стала первым значительным произведением, посвященным архитектуре, со времен Витрувия. Книга оказала большое влияние на итальянскую архитектуру. В тексте изложены правила классических ордеров. Как и в музыке, отношения простых чисел 2:3, 3:4 и 3:5 (частота колебаний, соответствующая музыкальным аккордам) могут быть с успехом применены в архитектуре.

Церковь Сант Андреа в Мантуе (начата в 1471) - самое важное произведение Альберти, оказавшее большое влияние на архитектуру XVI столетия. План церкви крестообразный, над средокрестием возвышается купол, центральный неф, трансепт и алтарная часть перекрыты цилиндрическими сводами с кессонами. Боковые нефы отсутствуют; вместо них устроены большие и маленькие капеллы. Отдельно стоящие колонны заменены мощными пилонами с пилястрами. Пышная отделка интерьера появилась уже после смерти Альберти, в целом простая и величественная архитектура свидетельствует о том влиянии, которое на зодчего оказала римская архитектура, в частности императорские термы.

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. .

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин - и он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы - это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Предыдущая статья: Расклады на работу: аркан в прямом положении Следующая статья: Характеристика мужчин и женщин Тельцов, рождённых в год Крысы